Mobility City, es el Museo Tecnológico de la movilidad, conocido como el pabellón Puente en Zaragoza de Zaha Hadid, arquitecta deconstructivista iraquí.
El puente de Zaha Hadid es el primer Museo Tecnológico de la Movilidad en el siglo XXI. El principal polo de atracción de la nueva movilidad y el lugar de referencia a nivel mundial para mostrar cómo serán las ciudades del futuro y el movimiento de las personas a través de ellas.
En la zona de paso libre, ubicado a lo largo del tallo central del puente, es donde se muestra la visión y propuestas de futuro de marcas dedicadas al ecosistema de la movilidad.
NTARTE en el Mobility City
Cuando se accede al pabellón (acceso gratuito), es un espacio diáfano, con ambiente futurista, donde se pueden encontrar dos instalaciones audiovisuales de gran tamaño mostrando contenidos lúdicos y didácticos sobre la movilidad.
Este museo se caracteriza por su capacidad de innovación y las posibilidades que ofrece a los visitantes de tener experiencias.
Las tecnologías son desde hace un tiempo, indispensables en los museos, para que los visitantes entiendan y vivan las exposiciones de una forma más comprensible. Es cada vez más necesario, hacer uso de tecnologías audiovisuales avanzadas, y aplicar un enfoque de gamificación del contenido.
Mobility City, es un museo donde las tecnologías hacen que el visitante se divierta, les emocione y enseñe. Este museo está planteadopara disfrutar de distintas experiencias relacionadas con la movilidad basadas en realidad virtual, simuladores, realidad aumentada y otros contenidos sobre pantallas táctiles.
Salas de exposiciones en el MOBILITY CITY
En una primera estancia se puede ver una exposición de coches con tecnología avanzada, seguidamente hay salas de pantallas táctiles interactivas que hablan de cómo vamos a vivir la población en ciudades del futuro.
Hay exposiciones itinerantes como la exposición «Marte, la conquista de un sueño», donde se puede conocer más sobre los planetas, hay paneles interactivos, y juegos para que el visitante aprenda jugando. Se podrá visitar hasta el 11 de junio.
Seguidamente en la actualidad está la exposición «Los superclase que cambiaron la historia»espectacular selección de coches de modelos clásicos y deportivos que han marcado los principales hitos de la historia del automóvil. Se podrá visitar hasta el 18 de junio.
Zona de experiencias
En esta zona, el visitante se siente que forma parte del museo, no es un mero centro expositivo, sino que también el visitante forma parte de la exposición.
Está el HyperloopTT, muestra una sección de cabina interior de cinco metrosen la que vivir una experiencia de realidad virtual. Podrás ver y sentir cómo sería sentarse dentro de una cápsula de pasajeros HyperloopTT.
Siente en el interior de HyperloopTT la comodidad de un jet privado, la velocidad de un avión comercial(más de 1.000 km/h) y el confort de una sala de estar, todo ello con las tecnologías del futuro incorporadas. ¡¡Tienes que vivirlo!!
Hay una sección en la que el visitante puede llevar gafas de realidad virtual, y puede verse dentro de una ciudad del futuro.
Una de las experiencias más divertidas son los «Simuladores de conducción», donde compites simultáneamente con otros conductores y aprendes a realizar una conducción eficiente y sostenible.
Por otro lado, están las pantallas de mobilidad y urbanismo, en esas pantallas vas respondiendo una serie de preguntas que muestran el impacto de la movilidad en el urbanismo.
Es una experiencia que tienes que vivir tú, y no dejar que te la cuente nadie.
Mobility City, el museo tecnológico de la movilidad.
Una experiencia inmersiva que te va ayudar a conocer de primera mano la obra de Picasso.
Esta experiencia artística nace del encuentro entre Annabelle Mauger, pionera del arte inmersivo, y Rudy Ricciotti, Gran Premio Nacional de Arquitecturaen Francia.
En Imagine Picasso, podrás encontrar una escenografía espectacular, inspirada en la ternura con que miraba Picasso la infancia.
La imagen se proyecta en gigantescos origamis con el objetivo de deconstruir y reestructurar la obra del Maestro del Arte Moderno.
«Arte Inmersivo: Imagine Picasso», muestra más de 200 obras, es accesible a cualquier persona, sin distinción de edad, lengua o cultura, es abrir el espacio a la emoción, el sueño y la contemplación.
Este lugar expositivo te permite andar entre diferentes arquitecturas, dónde aparecen proyectadas algunas de las imágenes más emblemáticas de Picasso.
¿Por qué ver Imagine Picasso?
Esta exposición, sumerge al espectador en las profundidades de los cuadros, permitiéndole explorar todos sus detalles.
Completamente a oscuras a excepción de la luz que emana de las propias obras, cada visitante vive la exposición de una manera distinta. La libertad de elegir su camino lo convierte en un observador que puede tomarse todo el tiempo que desee para mirar en cualquier dirección y zambullirse en la obra de Picasso.
Puedes permancer sentad@, tumbad@, caminando, tú decides cómo vivir esta experiencia inmersiva.
La proyección va acompañada por piezas musicales de Satie y Ravel, contemporáneos de Picasso, pero también de compositores de nuestra época.
La música enriquece la experiencia inmersiva, añadiendo una nueva dimensión que abre las puertas al sueño y la contemplación.
Déjate guiar por tus ojos y tus oídos, no por lo que tienes en la cabeza. Durante dure tu experiencia deja de lado tus problemas, deja de lado todo lo que te preocupe, deja la mente en blanco, y déjate llevar por la música y por el movimiento de las obras de Picasso.
Podrás disfrutar de esta experiencia inmersiva hasta el 10 de abril de 2023, en el espacio 5.1 reciento ferial de IFEMA.
Una experiencia inmersiva que hizo que viajáramos 3.400 años atrás adentrándonos en los templos, tesoros y secretos del antiguo Egipto.
Fue una experiencia increible ya que a través de imágenes en 2D y 3D 1.200m2 de proyecciones, pudimos introducirnos en la civilización Egipcia. Caminamos dentro de la tumba de Tutankamon, conocimos aspectos de su vida, familia, política…
Pudimos conocer la magia de la escritura jeroglífica y descubrimos más aspectos sobre los grandes grandes tesoros como hizo H. Carter en 1922 en los espacios interactivos.
Además, en una parte de la exposición conocimos objetos históricos y reproducciones de piezas únicas.
Es la exposición ideal para los apasionados del Antiguo Egipto.
TUTANKAMON, LA EXPOSICIÓN INMERSIVA te hará viajar de la mano del Faraón Niño a la historia de una civilización absolutamente mágica, de la que hemos heredado infinidad de elementos culturales y que, a pesar de todo, nos sigue cautivando por los enigmas que cubren las arenas de sus desiertos y se diluyen en las aguas de poderoso río Nilo.
Su geografía, la creación de mitos, las pirámides y los templos llenos de colores increíbles o el apasionante viaje por el inframundo del difunto encarnado en el disco solar a través de las doce horas de la noche, son algunos de los secretos que cobrarán sentido cuando visites TUTANKAMON, LA EXPOSICIÓN INMERSIVA.
Hay momentos en los que olvidas en los que estás viendo unas pantallas, te sientes parte de esta civilización.
Os recomiendo que estéis en la sala inmersiva 90 minutos para ver toda la proyección, incluso repetirla para no perderos ningún detalle.
Después de la sala inmersiva, puedes pasar a otra sala dónde podrás a través de unas gafas de realidad virtual, podrás sentirme como si fueras Tutankamon y salieras de tu tumba, recorrerás las diferentes pirámides y algunos de los lugares más emblemáticos de Egipto.
Aquí os dejo un vídeo de 24 minutos sobre cómo fue nuestra experiencia inmersiva en la exposición de Tuntankamon de Mad Madrid Artes Digitales.
En NTARTE, hemos podido disfrutar de la exposición las «Hijasde del Nilo, mujer y sociedad en el Antiguo Egipto» ubicada en el Palacio de las Alhajas (Madrid).
Es una exposición dirigida a los amantes del Antiguo Egipto.
Está dividida en tres plantas dónse se puede ir conociendo el importante papel de la mujer en el Antiguo Egipto.
Puede decirse que en esta época la mujer era un elemento esencial en la sociedad, en la política, en la religión y en la economía.
A través de esculturas, teselas, elementos votivos, joyas, accesorios de la vida cotidiana, ropajes, sarcófagos, hemos podido conocer más a cerca de las mujeres de la época.
En el recorrido se puede conocer a la mujer en el Antiguo Egipto, mujeres reales, diosas y templos, de la muerte a la eternidad y Egiptomanía.
Tecnologías en las Hijas del Nilo
Para NTARTE, además de que la temática de la exposición es muy atractiva, nos encanta ver cómo las tecnologías ayudan a que el visitante quede inmerso en el Antiguo Egipto.
A lo largo de la exposición, hay vídeos explicativos que hacen que junto con las obras de arte expuestas queden los conceptos mucho más claros.
En algunos puntos de las salas hay paneles explicativos táctiles, acompañando unas maquetas de los bustos de oro de Tutankamón y Nefertiti.
En estos bustos existen unos botones metálicos imantados que pulsándolos aparece información detallada en las pantallas.
Arte inmersivo en las Hijas del Nilo
Nada más entrar en la exposición, hay una pequeña sala inmersiva dónde te hace una breve presentación de Egipto y del papel de la mujer.
Esta presentación resulta impactante por el sonido y por verte rodeado de templos egipcios, hace que te traslades a la época.
Seguidamente, otra de las salas más impactantes de la exposición, es la dedicada a Nefertiti o Nefertari, gran esposa real de Ramsés II, conocida por el pequeño templo de Abu Simbel, pero sobre todo por su tumba del Valle de las Reinas.
Esta extraordinaria sepultura fue descubierta en 1904 y, junto con la de su suegro Seti I en el Valle de los Reyes, pasa por ser una de las más hermosas de todo Egipto.
Sobre sus paredes podemos ver pasajes, especialmente del Libro de los Muertos.
En este video inmersivo podemos conocer la historia de Nefertari a través de sus palabras y, estar inmersos entre algunos de los pasajes en escritura egipcia.
Por lo que en esta exposición que las tecnologías ayudan muchísimo a conocer a fondo la historia del Antiguo Egipto, te hacen sentir formar parte de él.
Exposición totalmente recomendable. Se puede visitar hasta el 31 de diciembre de 2022.
Si queréis más información sobre la exposición, no dudéis en CONSULTARNOS.
Zaragoza celebra del 20 al 22 de mayo de 2022 unas nuevas fiestas de la ciudad que girarán en torno a la figura de Goya. Fiestas Goyescas 2022.
De nuevo, las nuevas tecnologías, a través del video mapping, nos acercan el arte clásico. En este caso el protagonista ha sido la figura de Goya y toda su obra.
¿Qué es el video mapping?
El video mapping es una técnica visual, que consiste en proyectar imágenes sobre superficies, en la mayoría de los casos edificios, con el objeto de crear efectos y animaciones tan impactantes que parece que el edificio cobra vida.
Video mapping dedicado a Goya
En la fachada de la Casa Consistorial zaragozana, este vídeo mapping promete acercar la figura del gran pintor aragonés a los asistentes a través de un impresionante espectáculo sensorial de luces y sonido.
Durante catorce minutos, los zaragozanos pueden disfrutar de un vídeo proyectado sobre la fachada del Ayuntamiento de Zaragoza, dónde se narra la vida del pintor Francisco de Goya y Lucientes, repasando todas las etapas pictóricas del artista titulado Goya. El trazo maestro.
Este vídeo juega con el color, el 3D y, sobre todo, la música para envolver al espectador en un ambiente goyesco que no deja de ser el objetivo de estas fiestas de reciente creación que quieren imitar a las antiguas Fiestas de primavera.
Con este proyecto en el que se combina tecnología y arte, es una forma de acercar el arte clásico a los más jóvenes, siendo así un contenido visual, sonoro, dinámico y de fácil difusión a través de los teléfonos móviles.
Podría decirse, que las nuevas generaciones, «millenials», «Z» y «Alfa» absorben mejor toda la información que venga con una base tecnológica, de ahí que la cultura en general y el arte en particular cada vez más utilice la tecnología para la gestión, creación y difusión.
En NTARTE hoy os hablamos de la inauguración de la exposición «Ecos imborrables por Historias de una pandemia», que se inaugura hoy 15 de enero, en el Centro Cultural Manuel Benito Moliner en Huesca.
Antes de hablaros de la exposición, queremos recordaros en qué ha consistido el proyecto «Historias de una pandemia»
¿Qué es Historias de una pandemia?
Historias de una pandemia, es un proyecto creativo solidario que ha sido creado por Paula de Inmentay Rocío de Etnia Emprende, ha servido, como canal de comunicación y expresión, para todas las personas que han participado y se han expresado en él.
Es un proyecto en el que se ha estado trasladando de una forma visual y emocional todo lo que está pasando y cómo está afectando esta pandemia, a cada persona ya sea en el terreno laboral, en el social como en el personal.
Es un viaje especial, único y emocionante directo al corazón que va a calarte hondo.
Un camino de emociones y recuerdos por el que merece la pena perderse de una manera consciente.
Para sentir y conocer las historias vividas a través de cada piel, de cada persona, de cada ventana.
«Ecos imborrables» es un recorrido tan artístico como real por las diferentes etapas que la sociedad mundial ha vivido durante la pandemia del coronavirus.
Un viaje al pasado y al presente, de gran carga emocional, pero, sobre todo, un canto a la esperanza. Es y será siempre un homenaje a todos aquellos valientes que lucharon pero se fueron, a quienes vencieron y a quienes nos ayudaron a vencer.
Una lucha que continúa y que reside en nuestra responsabilidad individual.
«Ecos imborrables» va a ser una exposición artística en la que a través de cartas, fotografías, ilustraciones, vídeos, audios, vamos a conocer historias en época de pandemia.
Se trata de una exposición interactiva e inclusiva en la que han participado numerosos colectivos y empresas oscenses.
Es una exposición que no te va a dejar indiferente.
Horario:
De lunes a viernes: de 17.00 a 20.00 horas
Sábados, domingos y festivos: de 12.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 20.00 horas
Del 15 de enero al 14 de febrero de 2021. Centro Cultural Manuel Benito Moliner.
Detrás de una ventana hay una historia que merece ser contada
Universidad San Jorge convoca : «Open call for artists» para jóvenes artistas de Aragón.
¿Qué es Open call for artists?
Convocatoria para fomentar la cultura artística emergente aragonesa y promocionar el talento, Cultura USJ, en colaboración con la Galería Cristina Marín. Ambas entidades presentan la primera edición de “Open call for artists”Espacio en blanco.
Cultura USJ
Galería Cristina Marín
Pueden participar artistas y/o colectivos emergentes nacidos o que vivan en Aragón que deseen dar a conocer su trabajo artístico en la sala de exposiciones Espacio en blanco USJ a lo largo del curso académico 2020-2021.
El plazo de la convocatoria es del 24 de noviembre de 2020 a las 8:00h. hasta el 10 de enero de 2021 a las 23.59h.
¿Quién puede participar?
Jóvenes con edades comprendidas entre los 18 y los 35 años.
Naturales de cualquier provincia de la Comunidad Autónoma de Aragón o estar empadronados en Aragón desde al menos un año antes de la fecha de publicación de la convocatoria.
Se elegirán dos proyectos ganadores que disfrutarán de una exposición individual en la sala de exposiciones Espacio en blanco, situada en el hall de la Facultad de Comunicación y Ciencias Sociales de la Universidad San Jorge .
¿Cuál es el premio?
Una bolsa de producción de 600€ para la realización del proyecto propuesto y la presencia en Córner USJ de la Galería Cristina Marín.
El jurado está compuesto por miembros de Cultura de USJ y de Galería Cristina Marín.
Se valorará:
La calidad e interés del proyecto
Trayectoria del artista.
Participación en exhibiciones.
Eventos.
Festivales y exposiciones vinculados al arte emergente.
Trabajo continuado en la realización de exposiciones.
Adecuación del proyecto a las características del espacio expositivo.
Cultura USJ y Galería Cristina Marín, con el proyecto «Open call for artists» lo que pretenden es dar visibilidad a jóvenes artistas y dar color a un año tan gris para el sector de la cultura.
En sus ratos libres le gusta dibujar y pintar en óleo, además de practicar con la escultura o con la talla. Es muy aficionado al cine, por lo que se siente muy afortunado de poder trabajar en esta industria, y tiene obras que van desde cuadros de óleo al dibujo digital, pero lo que más le gusta es el concept art.
Hola Diego, cuenta a la comunidad de NTARTE cuáles fueron tus inicios en el arte digital.
Siempre me gustó dibujar, desde bien pequeño, por lo que he dibujado y pintado siempre mucho más a la manera tradicional, lápices, tinta, acuarela, óleo… Pero, como siempre he tenido un ordenador en casa, he trasteado usando los programas más básicos.
Ya de pequeño, me enseñó a usar Corel mi padre, pero siempre sentí debilidad por el Paint, ese programa que es un infierno para muchos dibujantes. A pesar de sus evidentes limitaciones, yo disfrutaba trabajando como si de pixel art se tratase pero, al final, eran trabajos muy sufridos… ¡sobre todo trabajando con ratón!
2008
Mucho más tarde, debido a que me salieron un par de trabajos como ilustrador, aprendí los fundamentos de Photoshop y fui viendo como trabajaban los ilustradores digitales. Entonces se me abrió un mundo.
Eres ilustrador y, en la mayor parte de tu obra, aplicas el concept artist y el mattepainting. ¿Qué te atraen de estos estilos para llevarlos a tus obras?
Me enfoqué hacia el concept art porque era muy suelto y se podía guarrear más que en otros trabajos más pulidos. Fui aprendiendo muchos trucos de canales, como el de FZD School of Design, como combinar partes de fotografía en dibujos mezclándolo con pinceles y texturas digitales.
Más tarde, eso me llevó a hacer trabajos con mayor carga fotográfica, como es el caso del mattepaint.
Siempre me gustó el acabado fotorrealista, porque me recuerda al cine, con muy pocos elementos se pueden conseguir prácticamente planos de cine, y te das cuenta de que prácticamente te puedes montar tus propias películas. ¡Es algo muy creativo y muy guay!
Tu proyecto “El sonido del cierzo, un paseo por Zaragoza postapocalíptica” ha sido muy viral en redes sociales, teniendo mucho impacto entre los zaragozanos, por la forma de diseñar cada una de las imágenes y, además, por ver la ciudad de Zaragoza, a través de tu obra, de una forma como si hubiera habido un apocalipsis, como si fuera una referencia a la situación vivida en la actualidad a nivel mundial. ¿Cuál es tu objetivo con este proyecto? ¿Qué quieres transmitir?
Los temas por los que suelo moverme siempre son temas que trataban los pintores del romanticismo y que, posteriormente, han derivado al cine tanto en el western, la fantasía o la ciencia ficción. Siempre me ha conmovido mucho la melancolía ante lo que supone la soledad, lo insignificante que es el ser humano, la naturaleza salvaje o la deriva distopía que lleva la humanidad en los tiempos que corren.
Entre otros géneros, el cine postapocalíptico siempre me ha llamado mucho cuando, por un motivo u otro, (generalmente causado por la humanidad) llevan a la desaparición de la práctica totalidad de la humanidad y se sitúa a los supervivientes en un mundo hostil, donde la naturaleza recobra lo que se le ha arrebatado y el ser humano tiene que volver a los orígenes.
Es por esto que desde niño me gusta relacionar el entorno en el que vivo con historias y situaciones de este tipo. Y que mejor entorno que Zaragoza, donde paseo y hago mi vida, para hacer un proyecto como este.
¿Este proyecto ha sido desarrollado durante época de pandemia o lo llevabas trabajando desde antes?
La amenaza de enfermedades o de un mal incontrolable que pueda cambiar el rumbo de la humanidad, siempre ha estado ahí, en el cambio climático, la superpoblación, la contaminación, la globalización… Estos temas han servido para explorar, por medio de la ficción, situaciones apocalípticas. Mis referentes son películas como Soy Leyenda, La carretera, El día del mañana, Mad Max o videojuegos como The last of us.
Este proyecto lo empecé en torno a septiembre de 2019, haciendo un par de ilustraciones de sitios como el Pilar o la Puerta del Carmen; después me fui planteando hacer más de otros lugares icónicos de Zaragoza.
Más tarde, me imaginé un hilo conductor que uniese las ilustraciones, por lo que usé un jinete que volvía a Zaragoza tras muchos años en el exilio. Entonces, planteé este proyecto como proyecto final de ilustración y, conforme fui haciendo las ilustraciones a principios de 2020, fui (como todos) enterándome de la situación que se venía.
A pesar de la triste situación, aproveché el confinamiento para terminar el resto de las ilustraciones, por lo que antes del verano ya me había hecho más de 20 ilustraciones.
La pandemia nos ha creado una perspectiva que nunca nos hubiéramos imaginado que podría ocurrir en el mundo real, pero que ha sido ampliamente explorada en la ficción.
Ésta es una pregunta que se plantean muchos usuarios artistas: ¿cuánto del proyecto es Photoshop y qué técnicas has empleado?
El grueso del trabajo es en Photoshop, pero antes de ponerse uno a destruir todo hay un proceso previo, en el que suelo hacerme un storyboard que sirva de previo para hacer después las fotografías en las localizaciones, las cuales ya tienen prácticamente toda la composición de la imagen.
Después ya llega la parte de más Photoshop puro, primero limpiando toda la imagen de personas y luego ya viene la parte divertida, la de destruir todo; añadir oxido, plantas, suciedad, edificios en ruinas, es una parte muy agradecida y creativa. Una de las partes más importantes del proceso es corregir la iluminación, una vez estÁ todo como yo quiero.
Las fotografías las suelo buscar con una iluminación muy neutra, para que después pueda iluminar todo a mi gusto. Me gusta mucho que el resultado sea muy muy atmosférico y sitúo las zonas más iluminadas donde quiero destacar algo y quitando interés a lo que no es importante. Esta parte es la que mas fuerza da a la composición.
Al final de todo el proceso uso lightroom, para corregir los colores y que queden todas las imágenes bajo una gama concreta.
De todas las imágenes que dan forma al proyecto, ¿tienes alguna favorita?
Una de las que más me gusta es la que usé para la portada, la de la entrada a la plaza del Pilar por Calle Alfonso, creo que la luz que desprende la basílica queda muy épica y contrasta mucho con los edificios abandonados de Calle Alfonso.
También quería que se viese todo como un mar de hierba, como ocurría en Times Square en Soy leyenda, esa película fue de gran inspiración para hacer algunas ilustraciones.
¿Podrías decirnos cuántas horas de trabajo te ha llevado la elaboración de una de estas imágenes?
Generalmente tardo entre 8 y 10 horas en hacer todo el proceso por cada una de las ilustraciones. Sobre todo, se invierte tiempo en encontrar las fotos adecuadas con las que complementar el mattepainting, como coches abandonados, plantas, y otros elementos. Suelo usar una biblioteca de recursos que voy haciendo mas y mas grande con el paso del tiempo buscando en páginas de stock. Tener una buena biblioteca ahorra mucho tiempo de búsquedas. He usado packs de fotos de sitios abandonados, como Chernóbil. También fui a sitios abandonados de Zaragoza para ver la vegetación local y así tener fotos que fuesen naturales.
Desde qué hiciste público tu proyecto, ¿qué valoración o frase, por parte de los usuarios de Internet, te ha dejado más impactado?
En general, me he sentido muy apoyado por todo el mundo, he notado la sorpresa de la gente por ver Zaragoza de una manera que no habían visto antes y, además, a través de unas imágenes tan cinematográficas.
He recibido mucho apoyo de gente a la que estas imágenes les han dado alas para imaginar películas o videojuegos en nuestra ciudad, por lo que me siento bastante contento.
También he notado que mucha gente ha sabido valorar la belleza de algo distópico y desolador, aunque también he notado que algunos sentían miedo ante un futuro incierto, teniendo en cuenta la situación actual… Me siento afortunado de ver que la gente ha valorado lo que pretendía creando este tipo de ilustraciones, unas imágenes que dejan abiertos muchos frentes donde poder plantearse situaciones y dan que pensar.
¿Qué papel han jugado las tecnologías como herramientas de difusión de tu obra?
A día de hoy si quieres publicar algún trabajo, las redes sociales son un pilar muy importante para darlo a conocer. Suelo usar Instagram como red social para publicar mis obras. Esta serie de ilustraciones, en concreto, la fui publicando prácticamente a diario para mantener la atención de la gente y no abrumarla demasiado con demasiado en poco tiempo. Al final, fui ralentizando las publicaciones hasta hacer prácticamente una por semana, para no aburrir a la gente, y ha sido bastante bueno a la hora de mantener el interés.
También he ido publicando en Twitter, Facebook y en páginas de aficionados al mattepaint.
Ha sido un placer poder entrevistar a Diego Nicolás Agustín y acercar su obra a los usuarios, mostrando su estilo dentro del matte painting y el concept art.
NTARTE, tiene la oportunidad de entrevistar a Galeria virtual ZGZ, un proyecto cuyo objetivo es dar visibilidad a los artistas de la localidad de Zaragoza.
Un proyecto que incluso en época de confinamiento, hizo que el arte en todas sus disciplinas siguiera vivo.
La Galería Virtual -ZGZ- se crea con la intención de normalizar la venta de arte y con el objetivo de reconocer el trabajo que día a día sacan adelante los artistas de la ciudad.
Es habitual ver, y durante el periodo de confinamiento que vivimos hace unos meses se hizo manifiesto, cómo estos arriman el hombro poniendo gratuitamente a disposición de otras causas igualmente legítimas su tiempo y su trabajo, así que desde la Galería pensamos que era imprescindible generar un espacio común y compartido que reconociera por sí mismo y para cada una de las personas que participan el valor que éstas aportan.
Así que nos pusimos manos a la obra, le dimos forma y lanzamos la Galería Virtual a través de Facebook e Instagram convocando en tiempo récord a casi 100 artistas de diversas disciplinas. Fue emocionante de llevar a cabo e igualmente emocionante ver la asombrosa acogida que tuvo.
El Cosmorama
2. ¿Qué tipo de arte se puede exponer en Galería Virtual ZGZ?
La Galería está abierta a cualquier forma de expresión o disciplina artística siempre que ésta pueda ser entregada a la persona que desee adquirirla. Pintura, fotografía, música, ilustración, diseño gráfico, acuarela, joyería artesanal, escultura, collage art… son algunas de las categorías que podrás encontrar buceando por nuestros pasillos virtuales.
3. ¿Qué requisitos son necesarios para poder participar?
Pedimos que las personas que participen cuenten con cierta trayectoria artística y que manifiesten un inequívoco compromiso de calidad con la/s obra/s que decidan exponer, aunque en realidad no haría falta.
Quienes deciden exponer en nuestra Galería saben que se dan a conocer con cada pieza; de manera que son los primeros interesados en satisfacer ese compromiso. Esa es la razón de que la Galería tampoco preseleccione obra.
Confía en el criterio del artista para ello que además tiene como referencia el trabajo que muestran los demás. El artista puede ver qué funciona y qué no de cara a las ventas. Gracias a las no tan nuevas tecnologías, la Galería le conecta con el mercado de una forma sencilla, inmediata y eficaz.
Alexandra Ruiz
4. ¿Desde qué portal Web se podrán visualizar las obras de los artistas?
Estamos trabajando en una página web que visualice las obras expuestas y muestre a los y las autoras de las mismas. De momento, puede seguirse su trabajo en nuestra página de Instagram: www.instagram.com/galeriavirtualzgz o de facebook: www.facebook.com/galeriavirtualzgz
5. ¿Las obras también serán publicadas en las redes sociales de Galería Virtual ZGZ?
Desde la Galería ofrecemos a los y las creativas una visibilidad extra a la que individualmente ya tienen mientras acercamos su trabajo a un público más amplio tejiendo redes entre compradores y artistas y entre los propios artistas.
Nos consta que a raíz de la participación en la Galería ya han surgido proyectos entre artistas que no se conocían previamente. De hecho uno de los éxitos de la primera convocatoria fue lograr que el 71% de las personas que participaron como artistas se relacionara con gente que no conocía de antes.
Allozalaura
6. ¿Cómo será el proceso de venta?
Existen (de momento) tres modalidades de venta entre las que cada artista puede escoger: a través de subasta marcando precio de salida o venta directa optando por precio fijo, bien de obra única o seriada. Cada artista decide qué obras exhibir y qué precio tiene cada una. Esto que puede resultar obvio en cualquier profesión, no lo es tanto cuando hablamos de arte.
Cris Aznar
7. ¿Se harán públicas las obras vendidas?
Por supuesto. La transparencia es uno de nuestros valores fundamentales. Todas las ventas se cierran de forma pública y cualquiera que lo desee puede consultar la información relativa a la venta de la obra. Quién la adquiere, a quién y por cuánto. Hasta podemos ver, gracias a la generosidad de sus compradores, cómo quedan éstas en sus nuevos hogares :)))
Pilo Gallizo
8. Estamos ya hablando de la II Edición ¿Qué aspectos destacarían de la I edición?
¡Que fue todo un éxito! De ventas y de participación. La Galería Virtual se preparó y se lanzó en poco más de una semana y a la convocatoria acudieron casi 100 artistas de diversa trayectoria y disciplinas. El 83% vendió obra, así que nos sentimos orgullosas de la acogida que tuvo el proyecto y de la respuesta tan generosa de quienes de una forma u otra decidieron participar en él.
El 99% de los artistas confesaron que repetiría la experiencia, así que aquí estamos otra vez con una II edición que arranca este fin de semana, esperando superar el listón que marcó la primera.
Las obras se publicarán a partir de este viernes 10 de julio a a las 12:00h y hasta el domingo a las 18:00h.
Si quieres ver de cerca la obras de todos los artistas sigue a Galería Virtual ZGZ:
Jesús Morales Lleixá es el alcalde de Quinto, una localidad de la provincia de Zaragoza que se ha convertido en un referente museístico internacional por la creación del Museo de las Momias, las cuales fueron descubiertas en la iglesia de Nuestra Señora de la Asunción, antigua iglesia parroquial, de estilo mudéjar, emplazado en el Cerro de la Corona que domina toda la población.
Este proyecto, que hoy es ya una realidad asentada, ha tenido un largo bagaje de investigación, conservación y, por supuesto, originalidad, dada la temática que trata, desde que este joven quintano recogió el bastón de mando del Ayuntamiento de Quinto en 2015, revalidado en 2019, involucrándose directamente en todo el proceso y siempre ayudado por grandes expertos en la materia y por un pueblo que siempre creyó en el mismo.
¿Qué han aportado el uso de las nuevas tecnologías al Museo de Momias de Quinto?
Fundamentalmente, las nuevas tecnologías nos han servido para que, con una mínima inversión, mucha gente haya podido conocer el museo. Por ello, ante todo, nos ha ayudado para la difusión, ya que éstas no se han utilizado para la datación de las momias.
No obstante, lo que sí se hizo fue pasar a cuatro de ellas por un escáner del Hospital Royo Villanova, se obtuvieron datos, aunque son objeto de estudio y análisis y no se han publicado aún grandes informes sobre ello.
Este estudio ayudó, sobre todo, para que ahora podamos poner unas pantallas donde la gente puede ver que hay debajo de la ropa de la momia, que a simple vista no se puede observar.
¿Cómo surgió la participación del Museo de Quinto en el programa de Cuarto Milenio?
Fue gracias a la colaboración de Nacho Navarro, colaborador del programa, que vino a conocer a las momias y trajo a Mercedes González, Directora del Instituto de Estudios Científicos en Momias, quien hizo el estudio, la limpieza y la conservación preventiva de las momias.
Un dato que se destacó en los programas fue que el Museo de Momias de Quinto es el único museo en el que las momias aparecen expuestas en el mismo lugar en el que fueron inhumadas.
¿Se hace uso de las nuevas tecnologías, durante el recorrido de la exposición, para ayudar al visitante a conocer más sobre las momias?
Como los recursos que tiene un pueblo de 2.000 habitantes son tan limitados, no hemos podido crecer a la velocidad que nos gustaría.
En este momento, no tenemos audio guías, pero sí hay paneles informativos de la historia del edificio y de la propia momificación, donde hemos ubicado unos códigos QR para descargar la información en castellano, inglés y francés, que el visitante puede leer con su móvil o tablet.
Si tuviéramos toda esa misma información, a nivel gráfico en el entorno expositivo, necesitaríamos mucho más espacio. Entonces, tenemos sólo fotografías y textos en castellano y, como apoyo a los visitantes, tenemos los códigos QR que enlazan con nuestros servidores, desde donde los turistas pueden descargarse la información en formato PDF.
A través de la web no hay un gran volumen, ya que la gente todavía prefiere comprar las entradas in situ, pero sí queremos ofrecer este servicio para dar más facilidades a un público más joven que está más acostumbrado al uso de las nuevas tecnologías.
La web, además de ofrecer información de todo el museo y ser un alojamiento de todas las referencias en las que hemos aparecido en prensa, también sirve para hacerte una idea de lo que vas a ver.
¿La web del Museo de Momias de Quinto es interactiva? ¿El visitante puede dejar opiniones?
Desde la web www.momiasdequinto.es, los usuarios pueden mandar mensajes privados, no se quedan publicados para que lo pueda leer el usuario, pero sí es algo que tenemos en mente para que los usuarios puedan leer las experiencias de otros visitantes en el museo.
Siempre estamos pensando en mejorar y en seguir creciendo, teniendo en cuenta que el tiempo y los recursos nos lo permitan.
¿Podemos ver que las redes sociales son las herramientas que más os han ayudado en la difusión del museo?
Sí, sobre todo Facebook, ya que es la red social que más trabajamos. Tenemos marcadas diferentes formas de comunicación para las tres redes sociales Facebook, Twitter e Instagram, pero sí es cierto que en Facebook vemos más resultados, más interacciones por parte de los usuarios, ya que nuestro público no es tan adolescente.
Mediante nuestro Facebook nos gusta mostrar la experiencia del visitante; digamos que, en nuestras redes, el protagonista queremos que sean los turistas y que ellos sean los que cuenten lo que han visto y cómo lo han vivido.
¿En el museo hay algún tipo de actividad, juego o photocall para que el visitante pueda interactuar con lo que ve y poder trasladarlo a las redes?
Sí, tenemos un pequeño photocall pensado para los más pequeños, donde hemos creado un personaje que se llama Mami Momi y su hijo Quintín y, a partir de ahí, vamos a ir creando más personajes.
Además, hemos creado un espacio donde los niños pueden colorear dibujos de momias, con la intención de que guarden un grato recuerdo.
Y, el que quiera y no le dé reparo, puede hacerse fotos con las momias y subirlas a las redes sociales.
Por respeto a las familias de las momias, tampoco queríamos frivolizar demasiado y, a la vez, hemos querido naturalizar la visita al museo, haciendo que el visitante no vaya con la idea de ver un museo de muertos, sino que es un museo de momias con una gran carga histórica.
¿Dentro de la comunicación digital del museo de las momias, usáis algún hashtag que sea como vuestra marca y que utilicéis en vuestras redes sociales?
El que solemos utilizar es el de #MomiasDeQuinto, aunque somos conscientes de que debemos usarlo más. Digamos que es una de nuestras tareas pendientes.
Teniendo en cuenta que, desde el museo, el mayor uso que se hace de las tecnologías es para realizar marketing digital aplicado a la comunicación, con el objetivo de dar a conocer el museo, ¿el marketing que se ha realizado es todo orgánico o también se ha realizado publicidad online como en Google Ads o en Social Ads?
No, todo el marketing digital que hemos realizado es a nivel orgánico, en lo que realmente hemos invertido es en el diseño del sitio web que, más que como publicidad, lo tenemos como herramienta.
Ante todo, hemos basado nuestra estrategia en marketing de contenidos, en contenidos de calidad y en intentar trabajar con una buena periodicidad para tener informado al posible visitante.
¿Para la reconstrucción de la iglesia se han utilizado tecnologías como el diseño en 3D?
No, porque realmente lo que se ha hecho en el interior de la iglesia es consolidar lo que ya había, pero no restaurar.
Lo que sí que está restaurada es la fachada, pero en el interior lo que se hizo fue consolidar aquellos cimientos que se pudieran desprender.
De hecho, el resultado impacta ante el choque de ver lo bien restaurada que está por fuera y después, cuando entras, ves cómo estaba la iglesia en esos años, con todas las marcas de la metralla de la Guerra Civil, los obuses, etc.
La experiencia de hacer la visita es impactante, porque no es lo mismo ver las momias en una exposición, por ejemplo, de Caixaforum, a verlas en el contexto. Eso le da mucho más empaque.
¿Qué planes futuros tenéis para el Museo de Momias de Quinto?
La verdad que, en estos años, hemos evolucionado mucho y rápidamente. Todo comenzó en el 2018, aunque año a año hemos ido creciendo y mejorando.
En 2018 es donde se hace una mayor inversión por parte del Ayuntamiento: alrededor de 100.000 € entre la limpieza preventiva de las momias, la construcción de las vitrinas y la musealización; además de otros 100.000 € para el acondicionamiento del edifico, suelo, iluminación, señalización, etc.
2019 fue un año con menor inversión, pero todo fue destinado al merchandising del museo, folletos, tienda, mobiliario, etc.
Para 2020, aún nos queda inversión destinada a dejar el museo como verdaderamente queremos como, por ejemplo, acondicionar un aparcamiento en la parte trasera para hacerlo más grande del que tenemos.
Uno de los proyectos que tenemos en mente, ya para el 2021 y relacionado con nuevas tecnologías, es implantar gafas de realidad aumentada para que, mientras estás viendo la exposición, puedas visualizar el edificio en sus diferentes épocas: mudéjar, renacentista, modernista…
¿Toda la difusión que se ha hecho del museo ha sido exclusivamente online?
Prácticamente sí. A nivel offline lo único que se hizo fue el envío de unas cartas a colegios. Pero sí que han ayudado muchos medios de comunicación, sobre todo, el programa Cuarto Milenio, aunque lo más importante ha sido el apoyo de los habitantes de Quinto pues, si ellos no hubieran creído en el proyecto, nada de esto hubiera sido posible.
Ellos son los que más atraen visitantes y, por ese motivo, hemos creado la tarjeta de fidelización de Amigos del Museo de Momias de Quinto, con la que se pueden obtener descuentos en la entrada y la tienda, participar en sorteos, etc.
Nuestro objetivo es que todos los beneficios que genere el museo redunden en inversiones para el propio museo, que ha ido creciendo gracias a la colaboración de muchos profesionales que no han participado con la intención de ganar dinero, sino con la de que el proyecto saliera adelante.
En el museo también hay exposiciones itinerantes, siempre relacionadas un poco con el tema del museo, además de realizar conciertos y otras actividades lúdicas.
El 13 de marzo llega el colapso a España, con el estado de alarma decretado por la pandemia provocada por el COVID-19. ¿Cómo habéis vivido esta situación desde el museo?
Con la irrupción de la pandemia del COVID-19, el museo tuvo que cerrar sus puertas el 15 de marzo.
Los primeros meses de 2020 estábamos en más de un 10% de visitas sobre los mismos periodos del año anterior, y la previsión de visitantes de cara a la primavera y los puentes de Semana Santa, San Jorge y 1 de mayo eran muy altas.
Sin embargo, hemos cerrado durante dos meses y hemos aprovechado para trabajar en la elaboración del catálogo de la exposición (que lo teníamos pendiente hace meses) y, sobre todo, hemos seguido en contacto con nuestro público a través de las redes sociales. La tecnología nos ha permitido estar «abiertos» de forma virtual.
Hemos publicado mucha información sobre curiosidades, historia, fotografía… Hemos hecho una visita virtual en directo, que siguieron en tiempo real 255 personas, pero que en una semana ha alcanzado las 7.000 visualizaciones.
También hemos creado un programa de entrevistas, que llamamos «Charlamos con…», y por el que pasan diferentes personas del equipo y son entrevistados por las guías del museo.
La tecnología nos permite emitir en directo y que la gente, desde casa, nos envíe sus preguntas. Y, además, que el entrevistado responda al momento. Hay un feedback muy chulo.
¿En qué fechas y horarios tienen previsto reabrirlo?
El museo reabre sus puertas el 15 de mayo, en horarios habituales. Viernes, sábados y festivos, con visitas a las 10.00, 11.30, 18.00 y 19.30 horas (horario de verano) y domingos a las 10.00 y 11.30 horas. Hemos limitado el acceso a 20 personas por franja horaria y priorizamos la compra por Internet, ya que se puede seleccionar día y hora.
Los visitantes deberán acceder usando gel hidroalcohólico, mascarilla y se efectuará control de temperatura.
La cercanía y el roce van a quedar en un segundo o tercer plano… ¡con lo que nos gusta alternar de cerca con nuestros visitantes! Pero ya vendrán tiempos mejores. Mientras tanto, nos adaptamos para estar de vuelta de forma inminente.
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