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Ecos imborrables por Historias de una pandemia

En NTARTE hoy os hablamos de la inauguración de la exposición “Ecos imborrables por Historias de una pandemia”, que se inaugura hoy 15 de enero, en el Centro Cultural Manuel Benito Moliner en Huesca. 

Antes de hablaros de la exposición, queremos recordaros en qué ha consistido el proyecto “Historias de una pandemia”

¿Qué es Historias de una pandemia?

Historias de una pandemia, es un proyecto creativo solidario que ha sido creado por Paula de Inmenta y Rocío de Etnia Emprende, ha servido, como canal de comunicación y expresión, para todas las personas que han participado y se han expresado en él.

Es un proyecto en el que se ha estado trasladando de una forma visual y emocional todo lo que está pasando y cómo está afectando esta pandemia, a cada persona ya sea en el terreno laboral, en el social como en el personal.

Os invitamos a que leáis el artículo “Colaboración con Historias de una pandemia” dónde os explicamos a fondo el proyecto y nuestra colaboración desde NTARTE.

Y…¿Qué es Ecos imborrables?

Es un viaje especial, único y emocionante directo al corazón que va a calarte hondo.

Un camino de emociones y recuerdos por el que merece la pena perderse de una manera consciente.

Para sentir y conocer las historias vividas a través de cada piel, de cada persona, de cada ventana.

“Ecos imborrables” es un recorrido tan artístico como real por las diferentes etapas que la sociedad mundial ha vivido durante la pandemia del coronavirus.

Un viaje al pasado y al presente, de gran carga emocional, pero, sobre todo, un canto a la esperanza. Es y será siempre un homenaje a todos aquellos valientes que lucharon pero se fueron, a quienes vencieron y a quienes nos ayudaron a vencer.

Una lucha que continúa y que reside en nuestra responsabilidad individual.

“Ecos imborrables” va a ser una exposición artística en la que a través de cartas, fotografías, ilustraciones, vídeos, audios, vamos a conocer historias en época de pandemia.

Se trata de una exposición interactiva e inclusiva en la que han participado numerosos colectivos y empresas oscenses.

Es una exposición que no te va a dejar indiferente.

Horario: 

  • De lunes a viernes: de 17.00 a 20.00 horas
  • Sábados, domingos y festivos: de 12.00 a 14.00 horas y de 17.00 a 20.00 horas

Del 15 de enero al 14 de febrero de 2021. Centro Cultural Manuel Benito Moliner. 

Detrás de una ventana hay una historia que merece ser contada

Beatriz Casalod (NTARTE)

 

“Open call for artists” para jóvenes artistas de Aragón

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Universidad San Jorge convoca : “Open call for artists” para jóvenes artistas de Aragón.

¿Qué es Open call for artists?

Convocatoria para fomentar la cultura artística emergente aragonesa y promocionar el talento, Cultura USJ, en colaboración con la Galería Cristina Marín. Ambas entidades presentan la primera edición de “Open call for artists” Espacio en blanco.

Cultura USJ

 

Galería Cristina Marín

Pueden participar artistas y/o colectivos emergentes nacidos o que vivan en Aragón que deseen dar a conocer su trabajo artístico en la sala de exposiciones Espacio en blanco USJ a lo largo del curso académico 2020-2021.

El plazo de la convocatoria es del 24 de noviembre de 2020 a las 8:00h. hasta el 10 de enero de 2021 a las 23.59h.

¿Quién puede participar?

  • Jóvenes con edades comprendidas entre los 18 y los 35 años.
  • Naturales de cualquier provincia de la Comunidad Autónoma de Aragón o estar empadronados en Aragón desde al menos un año antes de la fecha de publicación de la convocatoria.
  • Se elegirán dos proyectos ganadores que disfrutarán de una exposición individual en la sala de exposiciones Espacio en blanco, situada en el hall de la Facultad de Comunicación y Ciencias Sociales de la Universidad San Jorge .

¿Cuál es el premio?

  • Una bolsa de producción de 600€ para la realización del proyecto propuesto y la presencia en Córner USJ de la Galería Cristina Marín.

El jurado está compuesto por miembros de Cultura de USJ y de Galería Cristina Marín.

Se valorará:

  • La calidad e interés del proyecto
  • Trayectoria del artista.
  • Participación en exhibiciones.
  • Eventos.
  • Festivales y exposiciones vinculados al arte emergente.
  • Trabajo continuado en la realización de exposiciones.
  • Adecuación del proyecto a las características del espacio expositivo.

Cultura USJ y Galería Cristina Marín, con el proyecto “Open call for artists” lo que pretenden es dar visibilidad a jóvenes artistas y dar color a un año tan gris para el sector de la cultura.

Más información: bases de la convocatoria. Además, se puede ver el plano donde se expondrán las obras ganadoras aquí.

Beatriz Casalod (NTARTE)

Entrevista: El mattepainting a través de la obra de Diego Nicolás Agustín

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Una nueva entrevista en Nuevas Tecnologías en el Arte (NTARTE), donde conoceremos el mattepainting, a través de la obra de Diego Nicolás Agustín, un ilustrador zaragozano que, actualmente, trabaja como mattepainter y concept artist en Entropy studio. Ha trabajado para series de Netflix como Alta mar y Las chicas del cable.

En sus ratos libres le gusta dibujar y pintar en óleo, además de practicar con la escultura o con la talla. Es muy aficionado al cine, por lo que se siente muy afortunado  de poder trabajar en esta industria, y tiene obras que van desde cuadros de óleo al dibujo digital, pero lo que más le gusta es el concept art.

Hola Diego, cuenta a la comunidad de NTARTE cuáles fueron tus inicios en el arte digital.

Siempre me gustó dibujar, desde bien pequeño, por lo que he dibujado y pintado siempre mucho más a la manera tradicional, lápices, tinta, acuarela, óleo… Pero, como siempre he tenido un ordenador en casa, he trasteado usando los programas más básicos.

Ya de pequeño, me enseñó a usar Corel mi padre, pero siempre sentí debilidad por el Paint, ese programa que es un infierno para muchos dibujantes. A pesar de sus evidentes limitaciones, yo disfrutaba trabajando como si de pixel art se tratase pero, al final, eran trabajos muy sufridos… ¡sobre todo trabajando con ratón!

2008

Mucho más tarde, debido a que me salieron un par de trabajos como ilustrador, aprendí los fundamentos de Photoshop y fui viendo como trabajaban los ilustradores digitales. Entonces se me abrió un mundo.

Eres ilustrador y, en la mayor parte de tu obra, aplicas el concept artist y el mattepainting. ¿Qué te atraen de estos estilos para llevarlos a tus obras?

Me enfoqué hacia el concept art porque era muy suelto y se podía guarrear más que en otros trabajos más pulidos. Fui aprendiendo muchos trucos de canales, como el de FZD School of Design, como combinar partes de fotografía en dibujos mezclándolo con pinceles y texturas digitales.

Más tarde, eso me llevó a hacer trabajos con mayor carga fotográfica, como es el caso del mattepaint.

Siempre me gustó el acabado fotorrealista, porque me recuerda al cine, con muy pocos elementos se pueden conseguir prácticamente planos de cine, y te das cuenta de que prácticamente te puedes montar tus propias películas. ¡Es algo muy creativo y muy guay!

Tu proyecto “El sonido del cierzo, un paseo por Zaragoza postapocalíptica” ha sido muy viral en redes sociales, teniendo mucho impacto entre los zaragozanos, por la forma de diseñar cada una de las imágenes y, además, por ver la ciudad de Zaragoza, a través de tu obra, de una forma como si hubiera habido un apocalipsis, como si fuera una referencia a la situación vivida en la actualidad a nivel mundial. ¿Cuál es tu objetivo con este proyecto? ¿Qué quieres transmitir?

Los temas por los que suelo moverme siempre son temas que trataban los pintores del romanticismo y que, posteriormente, han derivado al cine tanto en el western, la fantasía o la ciencia ficción. Siempre me ha conmovido mucho la melancolía ante lo que supone la soledad, lo insignificante que es el ser humano, la naturaleza salvaje o la deriva distopía que lleva la humanidad en los tiempos que corren.

Entre otros géneros, el cine postapocalíptico siempre me ha llamado mucho cuando, por un motivo u otro, (generalmente causado por la humanidad) llevan a la desaparición de la práctica totalidad de la humanidad y se sitúa a los supervivientes en un mundo hostil, donde la naturaleza recobra lo que se le ha arrebatado y el ser humano tiene que volver a los orígenes.

Es por esto que desde niño me gusta relacionar el entorno en el que vivo con historias y situaciones de este tipo. Y que mejor entorno que Zaragoza, donde paseo y hago mi vida, para hacer un proyecto como este. 

¿Este proyecto ha sido desarrollado durante época de pandemia o lo llevabas trabajando desde antes?

La amenaza de enfermedades o de un mal incontrolable que pueda cambiar el rumbo de la humanidad, siempre ha estado ahí, en el cambio climático, la superpoblación, la contaminación, la globalización… Estos temas han servido para explorar, por medio de la ficción, situaciones apocalípticas. Mis referentes son películas como Soy Leyenda, La carretera, El día del mañana, Mad Max o videojuegos como The last of us.

Este proyecto lo empecé en torno a septiembre de 2019, haciendo un par de ilustraciones de sitios como el Pilar o la Puerta del Carmen; después me fui planteando hacer más de otros lugares icónicos de Zaragoza.

Más tarde, me imaginé un hilo conductor que uniese las ilustraciones, por lo que usé un jinete que volvía a Zaragoza tras muchos años en el exilio. Entonces, planteé este proyecto como proyecto final de ilustración y, conforme fui haciendo las ilustraciones a principios de 2020, fui (como todos) enterándome de la situación que se venía.

A pesar de la triste situación, aproveché el confinamiento para terminar el resto de las ilustraciones, por lo que antes del verano ya me había hecho más de 20 ilustraciones. 

La pandemia nos ha creado una perspectiva que nunca nos hubiéramos imaginado que podría ocurrir en el mundo real, pero que ha sido ampliamente explorada en la ficción.

Ésta es una pregunta que se plantean muchos usuarios artistas: ¿cuánto del proyecto es Photoshop y qué técnicas has empleado?

El grueso del trabajo es en Photoshop, pero antes de ponerse uno a destruir todo hay un proceso previo, en el que suelo hacerme un storyboard que sirva de previo para hacer después las fotografías en las localizaciones, las cuales ya tienen prácticamente toda la composición de la imagen.

Después ya llega la parte de más Photoshop puro, primero limpiando toda la imagen de personas y luego ya viene la parte divertida, la de destruir todo; añadir oxido, plantas, suciedad, edificios en ruinas, es una parte muy agradecida y creativa. Una de las partes más importantes del proceso es corregir la iluminación, una vez estÁ todo como yo quiero.

Las fotografías las suelo buscar con una iluminación muy neutra, para que después pueda iluminar todo a mi gusto. Me gusta mucho que el resultado sea muy muy atmosférico y sitúo las zonas más iluminadas donde quiero destacar algo y quitando interés a lo que no es importante. Esta parte es la que mas fuerza da a la composición.

Al final de todo el proceso uso lightroom, para corregir los colores y que queden todas las imágenes bajo una gama concreta.

De todas las imágenes que dan forma al proyecto, ¿tienes alguna favorita?

Una de las que más me gusta es la que usé para la portada, la de la entrada a la plaza del Pilar por Calle Alfonso, creo que la luz que desprende la basílica queda muy épica y contrasta mucho con los edificios abandonados de Calle Alfonso.

También quería que se viese todo como un mar de hierba, como ocurría en Times Square en Soy leyenda, esa película fue de gran inspiración para hacer algunas ilustraciones.

¿Podrías decirnos cuántas horas de trabajo te ha llevado la elaboración de una de estas imágenes?

Generalmente tardo entre 8 y 10 horas en hacer todo el proceso por cada una de las ilustraciones. Sobre todo, se invierte tiempo en encontrar las fotos adecuadas con las que complementar el mattepainting, como coches abandonados, plantas, y otros elementos. Suelo usar una biblioteca de recursos que voy haciendo mas y mas grande con el paso del tiempo buscando en páginas de stock. Tener una buena biblioteca ahorra mucho tiempo de búsquedas. He usado packs de fotos de sitios abandonados, como Chernóbil. También fui a sitios abandonados de Zaragoza para ver la vegetación local y así tener fotos que fuesen naturales. 

Desde qué hiciste público tu proyecto, ¿qué valoración o frase, por parte de los usuarios de Internet, te ha dejado más impactado?

En general, me he sentido muy apoyado por todo el mundo, he notado la sorpresa de la gente por ver Zaragoza de una manera que no habían visto antes y, además, a través de unas imágenes tan cinematográficas.

He recibido mucho apoyo de gente a la que estas imágenes les han dado alas para imaginar películas o videojuegos en nuestra ciudad, por lo que me siento bastante contento.

También he notado que mucha gente ha sabido valorar la belleza de algo distópico y desolador, aunque también he notado que algunos sentían miedo ante un futuro incierto, teniendo en cuenta la situación actual… Me siento afortunado de ver que la gente ha valorado lo que pretendía creando este tipo de ilustraciones, unas imágenes que dejan abiertos muchos frentes donde poder plantearse situaciones y dan que pensar.

¿Qué papel han jugado las tecnologías como herramientas de difusión de tu obra?

A día de hoy si quieres publicar algún trabajo, las redes sociales son un pilar muy importante para darlo a conocer. Suelo usar Instagram como red social para publicar mis obras. Esta serie de ilustraciones, en concreto, la fui publicando prácticamente a diario para mantener la atención de la gente y no abrumarla demasiado con demasiado en poco tiempo. Al final, fui ralentizando las publicaciones hasta hacer prácticamente una por semana, para no aburrir a la gente, y ha sido bastante bueno a la hora de mantener el interés.

También he ido publicando en Twitter, Facebook y en páginas de aficionados al mattepaint.

Y también he dejado la serie completa y en buena calidad en mi Artstation: https://diegonicolasart.artstation.com/

Instagram: @diegonicolasart
Twitter: @DiegoNicolas93

Ha sido un placer poder entrevistar a Diego Nicolás Agustín y acercar su obra a los usuarios, mostrando su estilo dentro del matte painting y el concept art.

Beatriz Casalod (NTARTE)
Otras entrevistas en NTARTE

Entrevista a Galería Virtual ZGZ

NTARTE, tiene la oportunidad de entrevistar a Galeria virtual ZGZ, un proyecto cuyo objetivo es dar visibilidad a los artistas de la localidad de Zaragoza.

Un  proyecto que incluso en época de confinamiento, hizo que el arte en todas sus disciplinas siguiera vivo.

1. ¿Cuándo surgió Galería Virtual ZGZ? ¿Con qué objetivo se creó?

La Galería Virtual -ZGZ- se crea con la intención de normalizar la venta de arte y con el objetivo de reconocer el trabajo que día a día sacan adelante los artistas de la ciudad.

Es habitual ver, y durante el periodo de confinamiento que vivimos hace unos meses se hizo manifiesto, cómo estos arriman el hombro poniendo gratuitamente a disposición de otras causas igualmente legítimas su tiempo y su trabajo, así que desde la Galería pensamos que era imprescindible generar un espacio común y compartido que reconociera por sí mismo y para cada una de las personas que participan el valor que éstas aportan.

Así que nos pusimos manos a la obra, le dimos forma y lanzamos la Galería Virtual a través de Facebook e Instagram convocando en tiempo récord a casi 100 artistas de diversas disciplinas. Fue emocionante de llevar a cabo e igualmente emocionante ver la asombrosa acogida que tuvo.

El Cosmorama

2. ¿Qué tipo de arte se puede exponer en Galería Virtual ZGZ?

La Galería está abierta a cualquier forma de expresión o disciplina artística siempre que ésta pueda ser entregada a la persona que desee adquirirla. Pintura, fotografía, música, ilustración, diseño gráfico, acuarela, joyería artesanal, escultura, collage art… son algunas de las categorías que podrás encontrar buceando por nuestros pasillos virtuales.

Rutiplanti

3. ¿Qué requisitos son necesarios para poder participar?

Pedimos que las personas que participen cuenten con cierta trayectoria artística y que manifiesten un inequívoco compromiso de calidad con la/s obra/s que decidan exponer, aunque en realidad no haría falta.

Quienes deciden exponer en nuestra Galería saben que se dan a conocer con cada pieza; de manera que son los primeros interesados en satisfacer ese compromiso. Esa es la razón de que la Galería tampoco preseleccione obra.

Confía en el criterio del artista para ello que además tiene como referencia el trabajo que muestran los demás. El artista puede ver qué funciona y qué no de cara a las ventas. Gracias a las no tan nuevas tecnologías, la Galería le conecta con el mercado de una forma sencilla, inmediata y eficaz.

Alexandra Ruiz

4. ¿Desde qué portal Web se podrán visualizar las obras de los artistas?

Estamos trabajando en una página web que visualice las obras expuestas y muestre a los y las autoras de las mismas. De momento, puede seguirse su trabajo en nuestra página de Instagram: www.instagram.com/galeriavirtualzgz o de facebook: www.facebook.com/galeriavirtualzgz

5. ¿Las obras también serán publicadas en las redes sociales de Galería Virtual ZGZ?

Desde la Galería ofrecemos a los y las creativas una visibilidad extra a la que individualmente ya tienen mientras acercamos su trabajo a un público más amplio tejiendo redes entre compradores y artistas y entre los propios artistas.

Nos consta que a raíz de la participación en la Galería ya han surgido proyectos entre artistas que no se conocían previamente. De hecho uno de los éxitos de la primera convocatoria fue lograr que el 71% de las personas que participaron como artistas se relacionara con gente que no conocía de antes.

Allozalaura

6. ¿Cómo será el proceso de venta?

Existen (de momento) tres modalidades de venta entre las que cada artista puede escoger: a través de subasta marcando precio de salida o venta directa optando por precio fijo, bien de obra única o seriada. Cada artista decide qué obras exhibir y qué precio tiene cada una. Esto que puede resultar obvio en cualquier profesión, no lo es tanto cuando hablamos de arte.

Cris Aznar

7. ¿Se harán públicas las obras vendidas?

Por supuesto. La transparencia es uno de nuestros valores fundamentales. Todas las ventas se cierran de forma pública y cualquiera que lo desee puede consultar la información relativa a la venta de la obra. Quién la adquiere, a quién y por cuánto. Hasta podemos ver, gracias a la generosidad de sus compradores, cómo quedan éstas en sus nuevos hogares :)))

Pilo Gallizo

8. Estamos ya hablando de la II Edición ¿Qué aspectos destacarían de  la I edición?

¡Que fue todo un éxito! De ventas y de participación. La Galería Virtual se preparó y se lanzó en poco más de una semana y a la convocatoria acudieron casi 100 artistas de diversa trayectoria y disciplinas. El 83% vendió obra, así que nos sentimos orgullosas de la acogida que tuvo el proyecto y de la respuesta tan generosa de quienes de una forma u otra decidieron participar en él.

El 99% de los artistas confesaron que repetiría la experiencia, así que aquí estamos otra vez con una II edición que arranca este fin de semana, esperando superar el listón que marcó la primera.

Las obras se publicarán a partir de este viernes 10 de julio a a las 12:00h y hasta el domingo a las 18:00h.

Si quieres ver de cerca la obras de todos los artistas sigue a Galería Virtual ZGZ:

Redes: www.instagram.com/galeriavirtualzgz // www.facebook.com/GaleriaVirtualZGZ

Beatriz Casalod (NTARTE)

Momias de Quinto: Entrevista a Jesús Morales Lleixá

Momias de Quinto

Jesús Morales Lleixá es el alcalde de Quinto, una localidad de la provincia de Zaragoza que se ha convertido en un referente museístico internacional por la creación del Museo de las Momias, las cuales fueron descubiertas en la iglesia de Nuestra Señora de la Asunción, antigua iglesia parroquial, de estilo mudéjar, emplazado en el Cerro de la Corona que domina toda la población.

Este proyecto, que hoy es ya una realidad asentada, ha tenido un largo bagaje de investigación, conservación y, por supuesto, originalidad, dada la temática que trata, desde que este joven quintano recogió el bastón de mando del Ayuntamiento de Quinto en 2015, revalidado en 2019, involucrándose directamente en todo el proceso y siempre ayudado por grandes expertos en la materia y por un pueblo que siempre creyó en el mismo.

¿Qué han aportado el uso de las nuevas tecnologías al Museo de Momias de Quinto?

Fundamentalmente, las nuevas tecnologías nos han servido para que, con una mínima inversión, mucha gente haya podido conocer el museo. Por ello, ante todo, nos ha ayudado para la difusión, ya que éstas no se han utilizado para la datación de las momias.

No obstante, lo que sí se hizo fue pasar a cuatro de ellas por un escáner del Hospital Royo Villanova, se obtuvieron datos, aunque son objeto de estudio y análisis y no se han publicado aún grandes informes sobre ello.

Este estudio ayudó, sobre todo, para que ahora podamos poner unas pantallas donde la gente puede ver que hay debajo de la ropa de la momia, que a simple vista no se puede observar.

nuevas tecnologias arte

Para la difusión del museo lo que ayudó mucho es nuestra aparición en los medios de comunicación regionales, como son Heraldo de Aragón, El Periódico de Aragón y Aragón Televisión; y, a nivel nacional, en los informativos de Telecinco y los especiales del programa de Cuatro “Cuarto Milenio”, los días 31 de marzo de 2014 y 10 de junio de 2018. Todo ello, publicado en la web del museo: www.momiasdequinto.es.

Momias de Quinto

¿Cómo surgió la participación del Museo de Quinto en el programa de Cuarto Milenio?

Fue gracias a la colaboración de Nacho Navarro, colaborador del programa, que vino a conocer a las momias y trajo a Mercedes González, Directora del Instituto de Estudios Científicos en Momias, quien hizo el estudio, la limpieza y la conservación preventiva de las momias.

Un dato que se destacó en los programas fue que el Museo de Momias de Quinto es el único museo en el que las momias aparecen expuestas en el mismo lugar en el que fueron inhumadas.

¿Se hace uso de las nuevas tecnologías, durante el recorrido de la exposición, para ayudar al visitante a conocer más sobre las momias?

Como los recursos que tiene un pueblo de 2.000 habitantes son tan limitados, no hemos podido crecer a la velocidad que nos gustaría.

En este momento, no tenemos audio guías, pero sí hay paneles informativos de la historia del edificio y de la propia momificación, donde hemos ubicado unos códigos QR para descargar la información en castellano, inglés y francés, que el visitante puede leer con su móvil o tablet.

Si tuviéramos toda esa misma información, a nivel gráfico en el entorno expositivo, necesitaríamos mucho más espacio. Entonces, tenemos sólo fotografías y textos en castellano y, como apoyo a los visitantes, tenemos los códigos QR que enlazan con nuestros servidores, desde donde los turistas pueden descargarse la información en formato PDF.

El sitio web se realizó en el 2018 y, a su vez, creamos las redes sociales Facebook, Twitter e Instagram.

A través de la web no hay un gran volumen, ya que la gente todavía prefiere comprar las entradas in situ, pero sí queremos ofrecer este servicio para dar más facilidades a un público más joven que está más acostumbrado al uso de las nuevas tecnologías.

La web, además de ofrecer información de todo el museo y ser un alojamiento de todas las referencias en las que hemos aparecido en prensa, también sirve para hacerte una idea de lo que vas a ver.

¿La web del Museo de Momias de Quinto es interactiva? ¿El visitante puede dejar opiniones?

Desde la web www.momiasdequinto.es, los usuarios pueden mandar mensajes privados, no se quedan publicados para que lo pueda leer el usuario, pero sí es algo que tenemos en mente para que los usuarios puedan leer las experiencias de otros visitantes en el museo.

museo momias de quinto

Siempre estamos pensando en mejorar y en seguir creciendo, teniendo en cuenta que el tiempo y los recursos nos lo permitan.

¿Podemos ver que las redes sociales son las herramientas que más os han ayudado en la difusión del museo?

Sí, sobre todo Facebook, ya que es la red social que más trabajamos. Tenemos marcadas diferentes formas de comunicación para las tres redes sociales Facebook, Twitter e Instagram, pero sí es cierto que en Facebook vemos más resultados, más interacciones por parte de los usuarios, ya que nuestro público no es tan adolescente.

Mediante nuestro Facebook nos gusta mostrar la experiencia del visitante; digamos que, en nuestras redes, el protagonista queremos que sean los turistas y que ellos sean los que cuenten lo que han visto y cómo lo han vivido.

¿En el museo hay algún tipo de actividad, juego o photocall para que el visitante pueda interactuar con lo que ve y poder trasladarlo a las redes?

Sí, tenemos un pequeño photocall pensado para los más pequeños, donde hemos creado un personaje que se llama Mami Momi y su hijo Quintín y, a partir de ahí, vamos a ir creando más personajes.

Además, hemos creado un espacio donde los niños pueden colorear dibujos de momias, con la intención de que guarden un grato recuerdo.

Y, el que quiera y no le dé reparo, puede hacerse fotos con las momias y subirlas a las redes sociales.

Por respeto a las familias de las momias, tampoco queríamos frivolizar demasiado y, a la vez, hemos querido naturalizar la visita al museo, haciendo que el visitante no vaya con la idea de ver un museo de muertos, sino que es un museo de momias con una gran carga histórica.

¿Dentro de la comunicación digital del museo de las momias, usáis algún hashtag que sea como vuestra marca y que utilicéis en vuestras redes sociales?

El que solemos utilizar es el de #MomiasDeQuinto, aunque somos conscientes de que debemos usarlo más. Digamos que es una de nuestras tareas pendientes.

Teniendo en cuenta que, desde el museo, el mayor uso que se hace de las tecnologías es para realizar marketing digital aplicado a la comunicación, con el objetivo de dar a conocer el museo, ¿el marketing que se ha realizado es todo orgánico o también se ha realizado publicidad online como en Google Ads o en Social Ads?

No, todo el marketing digital que hemos realizado es a nivel orgánico, en lo que realmente hemos invertido es en el diseño del sitio web que, más que como publicidad, lo tenemos como herramienta.

Ante todo, hemos basado nuestra estrategia en marketing de contenidos, en contenidos de calidad y en intentar trabajar con una buena periodicidad para tener informado al posible visitante.

¿Para la reconstrucción de la iglesia se han utilizado tecnologías como el diseño en 3D?

No, porque realmente lo que se ha hecho en el interior de la iglesia es consolidar lo que ya había, pero no restaurar.

Momias de Quinto

Lo que sí que está restaurada es la fachada, pero en el interior lo que se hizo fue consolidar aquellos cimientos que se pudieran desprender.

De hecho, el resultado impacta ante el choque de ver lo bien restaurada que está por fuera y después, cuando entras, ves cómo estaba la iglesia en esos años, con todas las marcas de la metralla de la Guerra Civil, los obuses, etc.

Momias de Quinto

La experiencia de hacer la visita es impactante, porque no es lo mismo ver las momias en una exposición, por ejemplo, de Caixaforum, a verlas en el contexto. Eso le da mucho más empaque.

¿Qué planes futuros tenéis para el Museo de Momias de Quinto?

La verdad que, en estos años, hemos evolucionado mucho y rápidamente. Todo comenzó en el 2018, aunque año a año hemos ido creciendo y mejorando.

En 2018 es donde se hace una mayor inversión por parte del Ayuntamiento: alrededor de 100.000 € entre la limpieza preventiva de las momias, la construcción de las vitrinas y la musealización; además de otros 100.000 € para el acondicionamiento del edifico, suelo, iluminación, señalización, etc.

2019 fue un año con menor inversión, pero todo fue destinado al merchandising del museo, folletos, tienda, mobiliario, etc.

Para 2020, aún nos queda inversión destinada a dejar el museo como verdaderamente queremos como, por ejemplo, acondicionar un aparcamiento en la parte trasera para hacerlo más grande del que tenemos.

Uno de los proyectos que tenemos en mente, ya para el 2021 y relacionado con nuevas tecnologías, es implantar gafas de realidad aumentada para que, mientras estás viendo la exposición, puedas visualizar el edificio en sus diferentes épocas: mudéjar, renacentista, modernista…

¿Toda la difusión que se ha hecho del museo ha sido exclusivamente online?

Prácticamente sí. A nivel offline lo único que se hizo fue el envío de unas cartas a colegios. Pero sí que han ayudado muchos medios de comunicación, sobre todo, el programa Cuarto Milenio, aunque lo más importante ha sido el apoyo de los habitantes de Quinto pues, si ellos no hubieran creído en el proyecto, nada de esto hubiera sido posible.

Ellos son los que más atraen visitantes y, por ese motivo, hemos creado la tarjeta de fidelización de Amigos del Museo de Momias de Quinto, con la que se pueden obtener descuentos en la entrada y la tienda, participar en sorteos, etc.

Nuestro objetivo es que todos los beneficios que genere el museo redunden en inversiones para el propio museo, que ha ido creciendo gracias a la colaboración de muchos profesionales que no han participado con la intención de ganar dinero, sino con la de que el proyecto saliera adelante.

En el museo también hay exposiciones itinerantes, siempre relacionadas un poco con el tema del museo, además de realizar conciertos y otras actividades lúdicas.

El 13 de marzo llega el colapso a España, con el estado de alarma decretado  por la pandemia provocada por el COVID-19. ¿Cómo habéis vivido esta situación desde el museo?

Con la irrupción de la pandemia del COVID-19, el museo tuvo que cerrar sus puertas el 15 de marzo.

Los primeros meses de 2020 estábamos en más de un 10% de visitas sobre los mismos periodos del año anterior, y la previsión de visitantes de cara a la primavera y los puentes de Semana Santa, San Jorge y 1 de mayo eran muy altas.

Sin embargo, hemos cerrado durante dos meses y hemos aprovechado para trabajar en la elaboración del catálogo de la exposición (que lo teníamos pendiente hace meses) y, sobre todo, hemos seguido en contacto con nuestro público a través de las redes sociales. La tecnología nos ha permitido estar “abiertos” de forma virtual.

Hemos publicado mucha información sobre curiosidades, historia, fotografía… Hemos hecho una visita virtual en directo, que siguieron en tiempo real 255 personas, pero que en una semana ha alcanzado las 7.000 visualizaciones.

También hemos creado un programa de entrevistas, que llamamos “Charlamos con…”, y por el que pasan diferentes personas del equipo y son entrevistados por las guías del museo.

La tecnología nos permite emitir en directo y que la gente, desde casa, nos envíe sus preguntas. Y, además, que el entrevistado responda al momento. Hay un feedback muy chulo.

¿En qué fechas y horarios tienen previsto reabrirlo?

El museo reabre sus puertas el 15 de mayo, en horarios habituales. Viernes, sábados y festivos, con visitas a las 10.00, 11.30, 18.00 y 19.30 horas (horario de verano) y domingos a las 10.00 y 11.30 horas. Hemos limitado el acceso a 20 personas por franja horaria y priorizamos la compra por Internet, ya que se puede seleccionar día y hora.

Los visitantes deberán acceder usando gel hidroalcohólico, mascarilla y se efectuará control de temperatura.

La cercanía y el roce van a quedar en un segundo o tercer plano… ¡con lo que nos gusta alternar de cerca con nuestros visitantes! Pero ya vendrán tiempos mejores. Mientras tanto, nos adaptamos para estar de vuelta de forma inminente.

Para más información sobre las Momias de Quinto:
Web: https://momiasdequinto.es
Facebook: https://www.facebook.com/museomomiasquinto/
Twitter: https://twitter.com/momiasdequinto
Instagram: https://www.instagram.com/momiasdequinto/

Beatriz Casalod (NTARTE)

Otras entrevistas en NTARTE

Colaboración con “Historias de una pandemia”

Historias de una pandemia

Desde NTARTE, os queremos contar en que nuevo proyecto nos encontramos. Desde el 4 de mayo de 2020 vamos a trabajar en la colaboración con Historias de una pandemia.

¿Qué es Historias de una pandemia?

Historias de una pandemia, es un proyecto creativo solidario creado por Paula de Inmenta y Rocío de Etnia Emprende, que sirve, como canal de comunicación y expresión, para todas las personas que quieran participar y expresarse en él. Se trata de un proyecto en el que se quiere trasladar de una forma visual y emocional todo lo que está pasando y cómo está afectando a cada persona ya sea en el terreno laboral, en el social como en el personal.

Recopilando historias, emociones, miedos, pertenecientes a una sociedad que nuna antes había vivido algo similar.

Desde Historias de una pandemia, se quiere contar todo lo que está pasando desde todos los puntos de vista posibles.

Historias de una pandemia

¿Quién puede participar en Historias de una pandemia?

Tú y todas aquellas personas que están en primera línea de batalla.

¿Has sufrido la enfermedad y la has superado?, ¿estás viviendo esta pandemia en soledad?, o por el contrario ¿estás más en familia que nunca?, ¿en este momento estás esperando la llegada de un bebe?, ¿eres persona de riesgo y estás conviviendo con el miedo a contagiarte?, ¿estás aislado cuidando a nuestros mayores en residencias?, ¿has vivido la partida de un ser querido y no has podido despedirte?, ¿estás viviendo cualquier otra situación y que tenemos que resolver cada uno desde casa?.

Expresar el cómo nos sentimos, es de vital importancia para hacer esta situación mucho más llevadera. De ahí el por qué de “Historias de una pandemia”, a través de él se busca que compartas tus emociones, tus miedos, sentimientos, tus experiencias vividas durante todo este tiempo en el que estamos conviviendo con el COVID-19.

Historias de una pandemia

¿Cómo puedes trasladar tu historia?

Tu historia puede ser contada de muchas formas; de forma escrita, dibujada, a través de una fotografía, de un cuadro, ilustración, vídeo, incluso a través de un audio.

Da igual la forma en la que traslades tu historia, lo importante es compartirla.

Tú eres el protagonista en esta historia

¿Cómo colabora NTARTE?

NTARTE (Nuevas tecnologías en el arte); somos un portal dedicado a la difusión de la cultura en general y del arte en particular, que utilizan las nuevas tecnologías en procesos de gestión, creación o las aplican en el marketing de sus proyectos.

Nuevas tecnologías en el arte (NTARTE) vamos a colaborar, sirviendo como conectores de artistas que quieran contar sus experiencias en Historias de una pandemia. En cuanto Paula y Rocío nos contaron este proyecto, no lo dudamos un momento y tuvimos claro cómo ayudar para dar visibilidad a tantas y tantas historias vividas.

Si quieres contar tu historia mediante una fotografía, diseño, ilustración, pintura, escultura, vídeo…no dudes en escribirnos a beatriz@ntarte.es. 

Detrás de una ventana hay una historia que merece ser contada

 

Beatriz Casalod (NTARTE)

 

 

Retrospectiva de Feria ARCO 2020 desde casa

Han pasado 30 días, desde que visité la Feria ARCO, y, por fin, me he animado a realizar una “Retrospectiva de ARCO desde casa”.

Y diréis… ¿Por qué ha tardado un mes en hablar sobre su experiencia en Arco? Pues… tengo dos respuestas.

Por un lado, quería interiorizar bien todo lo que había vivido y había visto, ya que tengo sentimientos encontrados con respecto a ARCO.

Por otro lado, ha sido un mes de altibajos emocionales y laborales, con todo lo que estamos viviendo debido a la pandemia del Coronavirus.

Pero… ¡¡allá voy!!

Desde que estudié la licenciatura de Humanidades, ya hace unos 20 años, siempre he estado interesada, incluso obsesionada, en poder conocer, de primera mano, lo que es asistir a una de las ferias de arte más importantes del mundo.

Por unas cosas y por otras, siempre había algo que me impedía asistir pero, este año, aunque vi temblar mi asistencia por diferentes motivos, entre ellos, la inminente llegada del COVID-19, ¡¡por fin!! pude estar en la feria más importante de arte contemporáneo.

Feria Arco

Feria Arco 2020

La feria de arte contemporáneo más conocida, a nivel internacional, tuvo lugar del 26 de febrero al 1 de marzo, siendo ésta la 39 edición, en la que hubo mayor número de participación de mujeres, entre galeristas y artistas.

Feria Arco

En este año 2020, la feria ARCO reunió a 1.350 artistas y 209 galerías de 30 países, mirando de reojo al coronavirus.

Fueron cinco jornadas dedicadas al arte contemporáneo, dos para público profesional y tres abierta a todos los públicos, en un año que se cierra sin obra polémica y sólo deslucido por la menor afluencia.

Feria Arco

La feria ARCO fue visitada por los monarcas, con una duración más breve de lo habitual y evitando pasar por la polémica  “Franco no fue tan malo como dicen”, obra del artista finlandés Riiko Sakkinen que ironiza sobre las bondades del dictador y que fue reservada por un valor de 15.000 euros.

La presencia de la pintura es la que predominó en la muestra, pero también hubo lugar en ella para la fotografía.

En ARCO existieron claras influencias dadaístas.

feria arco

Hubo obras valoradas desde los 3.000 euros hasta los 500.000 euros.

Además de las ventas de galerías a coleccionistas particulares, museos y fundaciones, la feria sirvió como foro profesional y se acordaron muchas exposiciones, lo cual confirma que ARCO fue un éxito.

La experiencia de NTARTE en ARCO

El día que asistí a la Feria ARCO fue el 1 de marzo, por lo que no hubo tanta afluencia de gente y me permitió poder pasar por prácticamente todas las galerías y pude detenerme en las obras que más me impactaron.

Esa es la palabra: “impactaron”. Hubo muchas obras que hicieron detenerme por su composición, cromatismo, diseño…

Feria Arco

Feria Arco Feria Arco Feria Arco

La palabra impactar, en ocasiones, derivaba a la consternación, por sentir en varios momentos que, quizás, no entiendo tanto de arte como creo o también que “sobre gustos no hay nada escrito”.

¿Qué es arte? Esta pregunta pienso que es muy ambigua, ya que varias de las obras que vi en ARCO, para mi gusto, no eran arte; pero sí, por qué no, una forma de expresión que a unos llega y a otros no.

Feria Arco Feria Arco

¿Pegatinas sobre un cristal es una obra de arte?

Feria Arco

Sillas expuestas a modo ikea, ¿es arte?

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Son algunas de las obras que hicieron plantearme muchas preguntas y que pocas de ellas pude responder.

Sobre gustos no hay nada escrito y eso lo pude confirmar en la Feria ARCO.

Arte Digital en ARCO

Como apasionada del arte y las tecnologías,en todo el recorrido que realicé en ARCO buscaba esa fusión sobre cómo se utilizaban las tecnologías para realizar arte o cómo se utilizaban las tecnologías para completar el mensaje de una obra.

Feria Arco Feria Arco Feria Arco

 

Mi obra favorita en ARCO

Mi obra favorita de ARCO, con diferencia, fue la obra de Juan Genovés “Cuarterones”, a través de la galería Mariborough.

Siendo un acrílico sobre lienzo y sobre tabla, destaca la minuciosidad de su trabajo y la excelencia de la técnica, creando cuadros con movimiento.

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El coronavirus en ARCO

En estas fechas, ya había incertidumbre sobre la celebración de ARCO. De hecho, no había ningún miedo en que incluso participaran galerías de Italia, tal y como se menciona en el artículo “La participación de galerías procedentes del norte de Italia no altera ARCO Madrid” (artículo de La Vanguardia).

Se comentó también que, durante la feria, se iban a tomar las medidas oportunas, siguiendo las recomendaciones de la Organización Mundial de la Salud, el Ministerio de Sanidad y la Consejería de Sanidad de Madrid.

Yo, como asistente, puedo decir que vi pocas personas con mascarilla, no vi demasiados dispensadores y ni, por supuesto, se guardaba el más de 1 metro de distancia de seguridad.

Quizás fue una locura el que no se paralizara el evento o incluso yo, como usuaria, fue una locura asistir. Pero también es cierto que no éramos conscientes, hace unas semanas, de lo que se nos venía encima.

Según ARCO, fue una feria con buenos resultados, pese a la menor afluencia relacionada por el coronavirus.

En algunos momentos he llegado a pensar si éste es otro de los eventos que hizo que se haya expandido tan agresivamente esta pandemia.

Nunca lo sabremos.

Pese a estas circunstancias, tengo un balance muy positivo sobre la Feria ARCO.

¿Asistiré a feria ARCO en la 40º edición? En 2021 lo sabréis 🙂

Beatriz Casalod (NTARTE)

48 Cube en Etopía Zaragoza

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48 cube

48 Cube en Etopía Zaragoza. Un espectáculo visual único, donde el visitante podrá vibrar con el conjunto de sonidos y luces que dan forma a Cube.

Proyecto, creado por los artistas, Edu Cortina y Yaguar.

Edu Cortina (48Cube)

Su formación la desarrolla en Zaragoza estudiando imagen y sonido, así como diseño gráfico, actualizando sus conocimientos mediante los diversos cursos de Zentrum Clip, Etopia Centro de Arte y Tecnología y Artnet (Madrid).

Su andadura profesional, comenzó en Insertos Videoproducciones , donde aprendió la abstracción visual y los conocimientos en los diversos medios audiovisuales.

Su afán por aprender, y desarrollar a través de herramientas digitales, han hecho posible que todos los elementos que ha aprendido a lo largo de su trayectoria, se aúnen y tomen forma en 48 Cube  (Pleyaleds), donde busca la poesía y el contraste visual, todo unido a los diferentes elementos sonoros.

Yaguar (48Cube)

Pedagogo y artista visual.

Posee amplia trayectoria en el Street art y en la intervención visualen diferentes escenarios con equipos analógicos.

Gran artista, del vídeo, la fotografía, ilustración digital, además de trabajar el videomapping con el fin de plasmar  su obra e diversos soportes y formatos.

Cuando el visitante entra en 48Cube, no se espera lo que va a ver ¿un cubo? pero que va aportar ese cubo?

Nada más entrar, te encuentras con un espectáculo de luces y sonido con la obra  PLEYALEDS cúmulo abierto de estrellas que se ve en el hemisferio norte en la constelación de Tauro.

48Cube en Etopía Zaragoza

48cube

El espectáculo de luces le dan forma 2.400 estrellas led reactivas, interpretando en tiempo real, el contenido visual que se proyecta en la pieza 48CUBE Etopía Zaragoza, transformándolo mediante la programación en otro tipo de lenguaje.

 

Luz y sonido son los protagonistas, y hacen que el visitante no pueda dejar de mirar y de sentir, consiguiendo así formar parte de la obra.

48cube

Seguidamente, pasamos a la sala principal donde vamos a encontrarnos con un gran cubo, donde la música, palabra, voz, movimiento y reactividad, suceden y se emiten desde el interior del cubo.

 

Este proyecto, podemos verlo como un diálogo constante entre el ser humano y la tecnología, entre diferentes paisajes visuales y sonoros que interactúan entre ellos.

48cube

Podría tratarse de una exposición de arte inmersivo, donde el visitante se embebe y puede disfrutar como si estuviera dentro de la obra.

Ilustraciones que aparecen y desaparecen dentro y fuera del cubo, navegando por el suelo y paredes de la sala haciendo que el ritmo envuelva a las personas que están ahí.

48cube

La exposición  se inauguró el 19 de febrero y durará hasta el 29 de agosto.

Podría tratarse de una exposición de arte inmersivo, donde el visitante se embebe y puede disfrutar como si estuviera dentro de la obra.

Ilustraciones que aparecen y desaparecen dentro y fuera del cubo, navegando por el suelo y paredes de la sala haciendo que el ritmo envuelva a las personas que están ahí.

Durante este periodo, 48Cube la instalación escenográfica albergará actuaciones: musicales

  • performance
  • danza contemporánea
  • poesía
  • cuenta cuentos de reconocios artistas nacionales e internacionales.

48Cube en Etopía Zaragoza

27 de febrero

Gustavo Giménez (Cantante experimental, performer y poeta)

María e Rada (Actriz y guionista)

Franco Deterioro (Cantalizador)
19 de marzo

Laura Val (Danza Contemporánea, música de Crisopa)

Evyenia Tzortzi (Performance poesía)

Antony Maubert (Música electro-acústica)
22 de abril

Bolimaño Extraño (Cuenta cuentos)

Dr. Loncho (RAP)

Virginia Canedo y Anazul (Sinfonía electrónica)
14 de mayo

Olga Elipe y Jaime Lapeña (Narradora y violinista)

Luis Trébol (Rapsoda)

Nefelibatas Bits( Música electrónica)

Una exposición que hay que vivir como hemos hecho en Nuevas Tecnologías en el Arte (NTARTE), no dejes que te la cuenten.

Beatriz Casalod (NTARTE)

 

 

 

Entrevista: Antonio Fernandez Alvira

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Antonio Fernandez Alvira; artista plástico oscense. Inquieto y muy creativo siempre aprendiendo, investigando para adaptar las últimas tendencias del arte a su obra. Concede una entrevista a NTARTE (Nuevas Tecnologías en el arte) con motivo de la exposición, “Elementos para un discurso” en el IAACC Pablo Serrano.

1. Antonio, ¿Cuáles fueron tus inicios en el mundo del arte?

Siempre me había gustado el arte, y todo lo relacionado con lo creativo, por lo que estaba muy claro que haría Bellas Artes. Una vez acabada la carrera, fue cuando empecé a realizar mis primeros trabajos y proyectos, buscando mi propia línea de investigación y los temas que me interesaban, pasando para ello por diversas temáticas y disciplinas, como la pintura, el dibujo,..hasta dar con aquellas que realmente me interesaban, y meterme de lleno en el campo instalativo y escultórico.

2. NTARTE, es un proyecto de arte y tecnología, que surgió en Huesca, lugar en el que tú también naciste. ¿Consideras que Huesca en concreto, y Aragón más en general, son plazas fáciles para el mundo del arte?

Aragón es un lugar duro para dedicarse al arte, creo que faltan entramados, plataformas  y un apoyo real que ayude a la visibilidad de los artistas aragoneses y sus trabajos no solo en Aragón sino fuera de esta tierra. Aunque para mi Huesca, y no porque sea Oscense, tiene una vida cultural  de primera linea . Está el CDAN, el  museo de arte contemporáneo más potente de Aragón según mi punto de vista, con unas exposiciones temporales de un nivel que creo que la gente de Huesca y Aragón no es consciente. Con artistas  actuales importantísimos nacionales e internacionales, y en donde se pueden ver obras totalmente contemporáneas que han pasado por los mejores museos y bienales de arte. Está también Periferias, la Sala de la Diputación de Huesca con un programa impecable, el Festival de Films Cortos, la Feria Nacional de Teatro y Danza, Visiona,….etc.

3. ¿Cuál fue el momento de inflexión, en el que tú viste que ya se valoraba tu obra dentro del panorama del mundo del arte contemporáneo?

Bueno, no recuerdo un punto de inflexión en concreto, pero por ejemplo si considero que cuando gane la beca Ramón Acín supuso un antes y un después en mi modo de trabajo. O cuando comencé a trabajar con la galería que me representa Espai Tactel. Si he visto una progresión conforme iba haciendo exposiciones, ganando concursos y participando en ferias. Es un mundo complejo y difícil, en el que tienes que ir no solo ascendiendo sino manteniéndote.

4. Antonio Fernandez Alvira, ha presentado sus proyectos en ferias como Arco, Estampa…entre otros eventos de referencia dentro del mundo del arte. ¿Qué ha supuesto para ti como artista, el hecho de poder participar en este tipo de eventos?

Ferias como ARCO suponen un escaparate importantísimo, y fundamental para darte a conocer, ya que la gran mayoría del mundo de la cultura relacionada con las artes plásticas pasa por allí. De ese modo tu trabajo es visto y puedes entablar relaciones y posicionar tu trabajo.

5. Del 13 de noviembre al 29 de marzo los usuarios pueden visitar en el Instituto Aragonés de Arte y Cultura Contemporáneos de Zaragoza, tu exposición “Elementos para un discurso” ¿Qué tipo de exposición van a encontrarse el visitante?

Esta exposición muestra un proyecto de casi dos años, realizado específicamente para esta sala, ha sido un largo y duro periodo de trabajo. Es también una vuelta de tuerca con respecto a mis anteriores trabajos, siendo estas piezas mucho más escultóricas e instalativas. En este proyecto he trabajado con nuevos materiales como cemento, resinas, parafinas, escayola, metal,..jugando también con el propio contenedor(la sala de exposiciones) para que forme parte de la obra. Cuidando muchísimo la distribución e iluminación de las piezas. todo ello jugando con las estéticas de displays de museos arqueológicos, y con el orden cromático del blanco al negro.

6. ¿Es una exposición que va a ser itinerante? y si fueras así, ¿Cuál va a ser su próximo destino?

El deseo seria eso, que fuera itinerante por otros museos nacionales e internacionales, ahora que ya está producida y expuesta toca el trabajo de intentar moverla, y esperamos sea así.

7. ¿Qué han supuesto hasta ahora, las nuevas tecnologías para la creación de la obra de Antonio Fernandez Alvira?

Yo, aunque en la obra no lo parezca, uso bastante las nuevas tecnologías, ya que todos los bocetos, dibujos previos, simulaciones,…las realizo con programas informáticos, ya sean indesign, ilustrator, photoshop,…para mi son fundamentales a la hora de empezar a trabajar.

8. Navegando por la red, los usuarios se encontrarán con tu galería virtual http://www.antoniofernandezalvira.com/, y con tu marca personal como artista contemporáneo en las redes sociales de facebook, instagram y twitter. ¿Ha sido algo fundamental en tu carrera como artista, el usar las nuevas tecnologías para difundir tu obra?

Las redes sociales y la pagina web son fundamentales para poder mostrar mi trabajo y estar en contacto con gente del mundo de las artes, o que le guste lo que hago. Hoy en día de este modo, un comisario de otra parte del mundo puede ver tu obra y conocer mas sobre tu trabajo y contactarte. Sin estas herramientas seria casi imposible que este tipo de cosas sucediesen.

9. ¿Qué consejos darías a los artistas noveles, que están comenzando su andadura en el mundo del arte?

Bueno creo que mi consejo sería que trabajasen duro, es un mundo realmente complicado, pero al menos para mí, merece la pena. Yo recomiendo que vean muchas exposiciones, galerías, museos, espacios de creación, es decir ,lo que se está haciendo actualmente. Deben de leer, investigar, pensar,… hoy en día el arte no es solo algo plástico, es también investigación, pensamiento, hay que contar algo, hacer reflexionar al espectador y trabajar lo que se conoce como pensamiento critico.

Entrevista realizada por Beatriz Casalod

Emisiones fachada media

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“Emisiones del IV academia de fachada media” del 14 de octubre al 10 de noviembre
Desde el mes de septiembre, se pueden ver “Emisiones del IV academia de fachada media” de Etopia retoma su programación de contenidos artísticos habitual – interrumpida por la avería que ocasionó un temporal el pasado 17 de mayo -, con las obras resultantes de la IV Academia de Fachada Media; un programa de formación dirigido a artistas que tiene como objetivo facilitar las herramientas y conocimientos necesarios para la realización de obras en este soporte.
La IV Academia de Fachada Media, organizada por la Fundación Zaragoza Ciudad del Conocimiento y el Ayuntamiento de Zaragoza, forma parte del programa SmARTplaces y está cofinanciada por el programa Europa Creativa de la Unión Europea.
 
CALENDARIO DE EMISIONES

Del 14 de octubre al 10 de noviembre

– Jesús Abarquero / Eat Fat

– Rocío Agudo / El espejo

– Miguel Ángel Pérez / Fuego fatuo

– José Inerzia / Make humans great again (www.makehumansgreatagain.org)

– Sergio Monje / La pregunta más importante

Academia fachada media

Es un programa de formación intensivo de dos semanas.
Está dirigido a artistas que deseen adquirir conocimientos del uso de la fachada media de Etopia Centro de Arte y Tecnología.
Con el objetivo de concebir y desarrollar una obra inédita para exhibirla en la misma.
Por lo que la doble Fachada Media Etopia, es un dispositivo único cuya estructura está construida a medida para cubrir dos de las caras de uno de los edificios que conforman el Centro de Arte y Tecnología Etopia.
Este soporte, que emite en una resolución no estandarizada, supone un reto tanto técnico como creativo que permite poner en práctica distintos lenguajes artísticos y diferentes propuestas de comunicación con las que investigar las posibilidades reales de estos nuevos soportes en actual expansión.
Estos son algunos ejemplos del arte de ahora. El arte digital, el videoarte, están en alza.
El proyecto de IV academia de fachada media, es una gran oportunidad para nuevos artistas que quieren seguirse formando, y que quieren aumentar y mejorar sus habilidades digitales.
Además gracias a este proyecto tienen la posibilidad de darse visibilidad en el panorama internacional.
No hay que perder la oportunidad de ver a estos grandes videoartistas.
Beatriz Casalod (NTARTE)