Entrevista: El mattepainting a través de la obra de Diego Nicolás Agustín

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Una nueva entrevista en Nuevas Tecnologías en el Arte (NTARTE), donde conoceremos el mattepainting, a través de la obra de Diego Nicolás Agustín, un ilustrador zaragozano que, actualmente, trabaja como mattepainter y concept artist en Entropy studio. Ha trabajado para series de Netflix como Alta mar y Las chicas del cable.

En sus ratos libres le gusta dibujar y pintar en óleo, además de practicar con la escultura o con la talla. Es muy aficionado al cine, por lo que se siente muy afortunado  de poder trabajar en esta industria, y tiene obras que van desde cuadros de óleo al dibujo digital, pero lo que más le gusta es el concept art.

Hola Diego, cuenta a la comunidad de NTARTE cuáles fueron tus inicios en el arte digital.

Siempre me gustó dibujar, desde bien pequeño, por lo que he dibujado y pintado siempre mucho más a la manera tradicional, lápices, tinta, acuarela, óleo… Pero, como siempre he tenido un ordenador en casa, he trasteado usando los programas más básicos.

Ya de pequeño, me enseñó a usar Corel mi padre, pero siempre sentí debilidad por el Paint, ese programa que es un infierno para muchos dibujantes. A pesar de sus evidentes limitaciones, yo disfrutaba trabajando como si de pixel art se tratase pero, al final, eran trabajos muy sufridos… ¡sobre todo trabajando con ratón!

2008

Mucho más tarde, debido a que me salieron un par de trabajos como ilustrador, aprendí los fundamentos de Photoshop y fui viendo como trabajaban los ilustradores digitales. Entonces se me abrió un mundo.

Eres ilustrador y, en la mayor parte de tu obra, aplicas el concept artist y el mattepainting. ¿Qué te atraen de estos estilos para llevarlos a tus obras?

Me enfoqué hacia el concept art porque era muy suelto y se podía guarrear más que en otros trabajos más pulidos. Fui aprendiendo muchos trucos de canales, como el de FZD School of Design, como combinar partes de fotografía en dibujos mezclándolo con pinceles y texturas digitales.

Más tarde, eso me llevó a hacer trabajos con mayor carga fotográfica, como es el caso del mattepaint.

Siempre me gustó el acabado fotorrealista, porque me recuerda al cine, con muy pocos elementos se pueden conseguir prácticamente planos de cine, y te das cuenta de que prácticamente te puedes montar tus propias películas. ¡Es algo muy creativo y muy guay!

Tu proyecto “El sonido del cierzo, un paseo por Zaragoza postapocalíptica” ha sido muy viral en redes sociales, teniendo mucho impacto entre los zaragozanos, por la forma de diseñar cada una de las imágenes y, además, por ver la ciudad de Zaragoza, a través de tu obra, de una forma como si hubiera habido un apocalipsis, como si fuera una referencia a la situación vivida en la actualidad a nivel mundial. ¿Cuál es tu objetivo con este proyecto? ¿Qué quieres transmitir?

Los temas por los que suelo moverme siempre son temas que trataban los pintores del romanticismo y que, posteriormente, han derivado al cine tanto en el western, la fantasía o la ciencia ficción. Siempre me ha conmovido mucho la melancolía ante lo que supone la soledad, lo insignificante que es el ser humano, la naturaleza salvaje o la deriva distopía que lleva la humanidad en los tiempos que corren.

Entre otros géneros, el cine postapocalíptico siempre me ha llamado mucho cuando, por un motivo u otro, (generalmente causado por la humanidad) llevan a la desaparición de la práctica totalidad de la humanidad y se sitúa a los supervivientes en un mundo hostil, donde la naturaleza recobra lo que se le ha arrebatado y el ser humano tiene que volver a los orígenes.

Es por esto que desde niño me gusta relacionar el entorno en el que vivo con historias y situaciones de este tipo. Y que mejor entorno que Zaragoza, donde paseo y hago mi vida, para hacer un proyecto como este. 

¿Este proyecto ha sido desarrollado durante época de pandemia o lo llevabas trabajando desde antes?

La amenaza de enfermedades o de un mal incontrolable que pueda cambiar el rumbo de la humanidad, siempre ha estado ahí, en el cambio climático, la superpoblación, la contaminación, la globalización… Estos temas han servido para explorar, por medio de la ficción, situaciones apocalípticas. Mis referentes son películas como Soy Leyenda, La carretera, El día del mañana, Mad Max o videojuegos como The last of us.

Este proyecto lo empecé en torno a septiembre de 2019, haciendo un par de ilustraciones de sitios como el Pilar o la Puerta del Carmen; después me fui planteando hacer más de otros lugares icónicos de Zaragoza.

Más tarde, me imaginé un hilo conductor que uniese las ilustraciones, por lo que usé un jinete que volvía a Zaragoza tras muchos años en el exilio. Entonces, planteé este proyecto como proyecto final de ilustración y, conforme fui haciendo las ilustraciones a principios de 2020, fui (como todos) enterándome de la situación que se venía.

A pesar de la triste situación, aproveché el confinamiento para terminar el resto de las ilustraciones, por lo que antes del verano ya me había hecho más de 20 ilustraciones. 

La pandemia nos ha creado una perspectiva que nunca nos hubiéramos imaginado que podría ocurrir en el mundo real, pero que ha sido ampliamente explorada en la ficción.

Ésta es una pregunta que se plantean muchos usuarios artistas: ¿cuánto del proyecto es Photoshop y qué técnicas has empleado?

El grueso del trabajo es en Photoshop, pero antes de ponerse uno a destruir todo hay un proceso previo, en el que suelo hacerme un storyboard que sirva de previo para hacer después las fotografías en las localizaciones, las cuales ya tienen prácticamente toda la composición de la imagen.

Después ya llega la parte de más Photoshop puro, primero limpiando toda la imagen de personas y luego ya viene la parte divertida, la de destruir todo; añadir oxido, plantas, suciedad, edificios en ruinas, es una parte muy agradecida y creativa. Una de las partes más importantes del proceso es corregir la iluminación, una vez estÁ todo como yo quiero.

Las fotografías las suelo buscar con una iluminación muy neutra, para que después pueda iluminar todo a mi gusto. Me gusta mucho que el resultado sea muy muy atmosférico y sitúo las zonas más iluminadas donde quiero destacar algo y quitando interés a lo que no es importante. Esta parte es la que mas fuerza da a la composición.

Al final de todo el proceso uso lightroom, para corregir los colores y que queden todas las imágenes bajo una gama concreta.

De todas las imágenes que dan forma al proyecto, ¿tienes alguna favorita?

Una de las que más me gusta es la que usé para la portada, la de la entrada a la plaza del Pilar por Calle Alfonso, creo que la luz que desprende la basílica queda muy épica y contrasta mucho con los edificios abandonados de Calle Alfonso.

También quería que se viese todo como un mar de hierba, como ocurría en Times Square en Soy leyenda, esa película fue de gran inspiración para hacer algunas ilustraciones.

¿Podrías decirnos cuántas horas de trabajo te ha llevado la elaboración de una de estas imágenes?

Generalmente tardo entre 8 y 10 horas en hacer todo el proceso por cada una de las ilustraciones. Sobre todo, se invierte tiempo en encontrar las fotos adecuadas con las que complementar el mattepainting, como coches abandonados, plantas, y otros elementos. Suelo usar una biblioteca de recursos que voy haciendo mas y mas grande con el paso del tiempo buscando en páginas de stock. Tener una buena biblioteca ahorra mucho tiempo de búsquedas. He usado packs de fotos de sitios abandonados, como Chernóbil. También fui a sitios abandonados de Zaragoza para ver la vegetación local y así tener fotos que fuesen naturales. 

Desde qué hiciste público tu proyecto, ¿qué valoración o frase, por parte de los usuarios de Internet, te ha dejado más impactado?

En general, me he sentido muy apoyado por todo el mundo, he notado la sorpresa de la gente por ver Zaragoza de una manera que no habían visto antes y, además, a través de unas imágenes tan cinematográficas.

He recibido mucho apoyo de gente a la que estas imágenes les han dado alas para imaginar películas o videojuegos en nuestra ciudad, por lo que me siento bastante contento.

También he notado que mucha gente ha sabido valorar la belleza de algo distópico y desolador, aunque también he notado que algunos sentían miedo ante un futuro incierto, teniendo en cuenta la situación actual… Me siento afortunado de ver que la gente ha valorado lo que pretendía creando este tipo de ilustraciones, unas imágenes que dejan abiertos muchos frentes donde poder plantearse situaciones y dan que pensar.

¿Qué papel han jugado las tecnologías como herramientas de difusión de tu obra?

A día de hoy si quieres publicar algún trabajo, las redes sociales son un pilar muy importante para darlo a conocer. Suelo usar Instagram como red social para publicar mis obras. Esta serie de ilustraciones, en concreto, la fui publicando prácticamente a diario para mantener la atención de la gente y no abrumarla demasiado con demasiado en poco tiempo. Al final, fui ralentizando las publicaciones hasta hacer prácticamente una por semana, para no aburrir a la gente, y ha sido bastante bueno a la hora de mantener el interés.

También he ido publicando en Twitter, Facebook y en páginas de aficionados al mattepaint.

Y también he dejado la serie completa y en buena calidad en mi Artstation: https://diegonicolasart.artstation.com/

Instagram: @diegonicolasart
Twitter: @DiegoNicolas93

Ha sido un placer poder entrevistar a Diego Nicolás Agustín y acercar su obra a los usuarios, mostrando su estilo dentro del matte painting y el concept art.

Beatriz Casalod (NTARTE)
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