Gustavo Vázquez King, mediante  esta entrevista nos explica su evolución artística tanto en Sudamérica como en España. Desarrolla sus obras dentro de las tendencias del impresionismo, fauvismo y surrealismo. Es impresionante ver como un artista puede llegar y transmitir tanto al público a través de sus obras como a través de sus palabras.

1. Gustavo, lleva muchos años en España concretamente en Águilas (Murcia), ¿nos puede hablar de sus inicios en la difusión de su arte por tierras Sudamericanas?, ¿se encontró con muchas dificultades para exponer su obra?

Ingresé en la Escuela de Artes Aplicadas de mi Montevideo natal, donde me cultivé con los maestros , Jonio Montiel, Anhelo Hernández, Hugo Mazza, Luis Arbondo, Eduardo Larrarte,Alceu Ribeiro,  Nelson Ramos, Sergio Curtto, algunos de ellos de la cantera de Joaquín Torres García, maestro del constructivismo uruguayo, con ellos aprendí técnicas de pintura, grabado, escultura, escenografía y mas adelante me vinculé al taller de mi amigo y maestro, Hugo Nantes en su taller del Prado, Manolo Lima, en los Pinares de Punta del Este, también discípulos de Torres García.,Ya con algunos años de experiencia comencé mis andaduras en solitario por el continente., mi  primera exposición la realicé en el museo Génaro Pérez de la ciudad de Córdoba, Argentina ( 1975 ). Ya regresado de mi deambular me instalé en mi taller propio en el Prado, sin perder vínculos con la Escuela de Artes Aplicadas, donde siendo discípulo de Sergio Curtto tomé la alternativa de dirigir el grupo de pintura como alumno-maestro por baja de enfermedad del maestro titular, experiencia que me llevó a ejercer como maestro titular de expresión plástica en el Lycée Francais de Montevideo, alternando con mis alumnos de mi taller en el Prado.
Aunque difícil lo tenía para exponer me buscaba la vida, rastro de Montevideo ( Villa Biarritz ), alguna plaza desordenada ( Gomensoro ) o Fortaleza de Santa Rosa, me buscaba sitios frecuentados por algunos burgueses en su intimidad, ganándome a sus doncellas de turno para venderle al patrón.
Comienzo a aventurarme en Brasil, ( Sao Paulo, Manaus, Campo Grande, Puerto Santos). En Bolivia, Santa cruz de la Sierra. En EE.UU. (Washington d.C.) OEA. Y mi salto al continente europeo, Gran Canarias, Italia, Francia, España.

2. Su pintura oscila entre el impresionismo y el fauvismo. ¿En alguna de sus obras se ha visto influenciado por el surrealismo?

El surrealismo surgió al explorar nuevas tecnologías en mi ordenador y a experimentar con el photoshop y las alternativas que el programa da, allí comienza mi nueva aventura, aunque sus logros son importantes, me sabe a vacío y frio, su técnica no muy explorada me distrae y me disculpa ante la clásica pintura de caballete.
Comienzan a surgir imágenes surrealistas, quizás muy de agencia de publicidad y de fácil comercialización, económica.

3. En sus pinturas hemos visto diferentes temáticas, obras paisajistas, figurativas, abstractas, ¿con cuál de ellas se siente más cómodo al pintar?

En mi pintura a habido influencia de los sitios donde he vivido, como bocetos de postales coloridas, pero la temática más influyente fue el marinismo de cuando vivía en Valleseco, Gran Canarias, ya cuando me tenía que desplazar a la capital me deleitaba mirando el mar y su deporte autóctono la vela latina, ya en Canarias, mi paleta se llena de luz y empaste al óleo y técnica de espátula, mis exposiciones en el Real Club Náutico de Gran Canarias y las críticas recibidas, han hecho de mi pintura un reconocimiento e interesante crítica por una académica de San Fernando, perteneciente a la crítica española e internacional, eso me lleva a reafirmarme en la libertad de expresión, liberando mi creatividad a la mancha de color.
Allí comienza mi etapa fauvista expresionista (1985), la cual me sustenta en halagos y no menos crítica que hacen de ella mi paleta actual, reconocida por varias galerías y de las mas importantes de España ( Galería Durán, Madrid ), entre otras,
ya en mi estudio / taller de Águilas y mucho antes e experimentado nuevas técnicas matéricas y creando con ellas nuevas formas informales, abstracciones y algunas figurativa, una alternativa nueva a base de café, oligisto, cemento, con ellas expongo en el Colegio de Arquitectos de Almería ( 1992 ).
Focus Abengoa, Sevilla.
Alternando con mi fauvismo marinista

4. Hay momentos o temporadas que un artista pierde la inspiración, ¿qué hace el señor Vázquez King para recuperarla?

Inspiración…………nunca la he perdido, me encuentro creando continuamente, ensayo o cocina de taller, experimento y busco alternativas en materiales de reciclado, o elaboro mis materiales, o modelo una escultura con los materiales que el hombre deshecha, me encuentro fascinado con los materiales y su plasticidad abstrayendo su forma para crear de ella la belleza y así continuar o ubicarme dentro de algún movimiento, que refleje mi estado y su creatividad.
Así recupero mi lapsus, me siento frente al caballete y contemplo mi obra inerte, hasta que su forma se mezcla con los colores y comienza a surgir una nueva aventura colorista.

5. En su última colección la temática de sus obras es el desnudo femenino en diferentes situaciones; ¿por qué ha escogido este tema?

La figura femenina, es su sensualidad y calidez, sus curvas y redondeces, forma su desnudez a la imagen de la tierra, la que nos cobija y de sus frutos, el alimento. Señora de hombres, industriales, sugestivas ………………la temática femenina da para infinitas creaciones, tierra femenina, luna femenina, la belleza es femenina, cálida, tierna, dulce, es madre de creadores, …….

6.  ¿Se ha visto influenciado por algún artista lo largo de su carrera?

Si, claro, todos somos influenciados por directrices ya sea por maestros o tutores en el ambiente que nos recrea ( Torres García, Dalí, Kandiski, Van Gooh, Matisse, Hugo Nantes, Tapies, LeParc, Turnner, y alguno mas que se me escapa.

7.  ¿En qué lugar de España le gustaría exponer y no lo ha hecho todavía?, ¿y del extranjero?

Bueno………..en la Villa de Madrid, me gustaría llevar mi obra, ya que gran parte de mis aduladores clientes, son de allí, algunos ya se fanatizan pasándose por mi estudio en verano y llevándose alguna cosita, después donde me inviten a portes pagados ( ya que es uno de mis grandes problemas, el transporte de mi obra ), y en el extranjero mi gran clientela es de Holanda y saben mucho de la corriente vangoriana, ven en mi obra el resurgir del gran maestro.
No descarto a los ingleses que también ven en mi paleta fauvista a Turnner y el marinismo.

8.  ¿Cree que las Nuevas Tecnologías están ayudando a difundir la obra de los artistas?

Las nuevas tecnologías son muy importantes, el hombre es tecnológico en el sistema, no se puede apartar de las avanzadillas y la técnica, en la medida que el hombre se tecnifica, avanza y se reproduce en formas abstractas pero de funcionalidad al resto de sus comunes es la forma mas clara de llegar a la globalización de su obra.
Dentro de las nuevas tecnologías, ha surgido de las entrañas de mi taller,( Prado, Montevideo, Uruguay), un discípulo ya destacado en la Bienal de Venecia  ( Juan Pedro Fabra ) y en Suecia, la superación del alumno al maestro, en nuevas corrientes tecnológicas.

9. ¿Cómo ve la aplicación de las Nuevas Tecnologías al arte actual como por ejemplo el videoarte?

De momento no he experimentado nada, falta de recursos, o quizás es un campo poco explorado por mi, pero ya veo obra de mi discípulo que es de vanguardia y me enorgullece saber que está experimentando nuevas tecnologías, no es que me quede en la cuneta de la vanguardia tecnológica, pero lo mío es mas de tacto y materia, lienzo, bastidor, oligisto y café.

Beatriz Casalod

Edna Kannan, artista Mejicana, considerada como una de las pintoras más destacadas del Siglo XXI en el Arte Moderno sobre porcelana, abre su corazón en esta entrevista contando como fueron sus orígenes en este arte y lo que ha significado en su vida. Seguro que a muchos os emocionará ya no solo por sus obras sino también por su forma de escribir. Es increible como una persona a través de su arte  puede transmitir tal variedad de sentimientos.

1. Edna, es considerada como una de las pintoras más destacadas del Siglo XXI en el arte Moderno sobre porcelana. ¿Cómo y cuándo surgió la idea de pintar sobre porcelana y no sobre un lienzo?

Antes que nada mil gracias por tu invitación querida Beatriz.

Me encanta y me incomoda a la vez el que me hayan catalogado en ese concepto de privilegio, porque siempre he pensado que yo no soy “pintora”, que soy una “aficionada” a la que le encanta la pintura que llegó a mi vida de una manera sorpresiva.
El amor por ella nació a raíz de una situación de salud tremenda con la que luché por algunos años, esta me orilló a dejar mi carrera como bailarina y a refugiarme en la porcelana, fue una etapa muy dura, un cambio radical, pero ahora le agradezco infinitamente a Dios por esa sacudida, que fue uno de mis grandes aprendizajes, como profesional, pero sobre todo espiritual.
El enamorarme de  esta técnica en especial, tan complicada y desafiante, se lo debo a mi madre y maestra, a la que admiré siempre por ser una fantástica pintora autodidacta.
En un principio mis obras no fueron hechas para exponer, ni siquiera para “gustar”, eran solo para mí, fueron mi salvavidas, un sueño, una meta, hechas en momentos determinantes, por eso las adoro, porque encierran mucho más de lo que se puede apreciar a simple vista,  siempre he creído que una obra lleva consigo toda la historia del artista, su tiempo, sus ideas, sus sueños, ilusiones, todo su esfuerzo, dedicación, sus ojos, su espalda, sus manos! eso es impresionante, es maravilloso, eso no puede tener un precio.

2. ¿Te has planteado alguna vez en pintar otro tipo de temática, por ejemplo paisajística?

Jamás, especializarme en el retrato es mi pasión y el motivo principal de mis obras, todo mi objetivo es seguir preparándome en este mismo género.  Además mis pinturas son completamente digeribles, me fascina plasmar la belleza de los rostros de una manera en que todo el mundo lo pueda entender, me encanta lo bello, lo estético, lo elegante.  Todos los géneros  tienen su inmenso grado de dificultad, pero plasmar un rostro, en cualquier tipo de técnica, es una aventura…sin nombre.

3. ¿Puede mencionar el proceso y algunos de los medios o materiales que utilizas para realizar tus obras?

El proceso de la creación de una obra en porcelana es Mágico!, es el arte milenario más complejo y desafiante. Desde que la porcelana llega a tus manos ya pasó por muchas manos artistas, desde la creación de la pieza, esa mezcla de tierras, el proceso de vidriado para dar ese acabado brillante y traslúcido, la impermeabilidad y finalmente el horneado, se realiza en hornos especiales que consiguen temperaturas de 1400 grados.
En ese momento ya está creada “la pieza”, ahí es cuando entra en escena la “pintura sobre porcelana” y el decorado.
Aquí surge la magia, el milagro de darle VIDA a una pieza fría.

En la porcelana utilizo infinidad de medios, principalmente óxidos de metal mezclados con aceites especiales, como copaiba, pino ó lavanda, oro, lustres, relieves, granillas, fritas, piedras, etc.
Lo complejo de la técnica es porque debemos tener el dominio total en cada paso, desde la creación, la pintura y finalmente el horneado, esta técnica no permite errores y esto hace que sea de un alto grado de dificultad.
Vamos aplicando capas muy suaves, muy tenues, y sometemos la obra muchas veces al riesgo del horneado (de 4 a 9 veces).  Otra cosa sumamente importante es tener el conocimiento en el orden de aplicación de los materiales, no puedes aplicar pigmentos con metales, texturas con metales, o pigmentos con texturas.
Cuando la pieza entra en el horno y éste alcanza la temperatura máxima, el poro de la porcelana abre y la capa tenue de pigmentos, texturas y metales cae, permitiendo que se fundan en ella, cuando el horno enfría, el poro cierra nuevamente y la pintura queda capturada.
En cada “quema” se irán incrustando los colores y texturas hasta lograr el acabado final.
El desconocimiento del horneado y el más mínimo mal manejo de la técnica ocasionan errores fatales, incorregibles, relieves desprendidos, metales contaminados, pigmentos estrellados, grumos ó hasta la obra rota.

4. Es una artista muy polifacética, entre otras actividades fue una gran artista en la “danza flamenca” actuando en teatros de renombre. ¿En cual de los dos artes te sientes más realizada?

Fui criada en una familia de artistas, entre músicos, cantantes y bailarinas, lo respiré.  Desde pequeñita me apasionó el baile flamenco, dediqué algunos años al estudio y enseñanza de éste, fue una etapa preciosa de mi vida, un ciclo ya cerrado que disfruté al máximo.  Bailar en un escenario con miles de espectadores es muy emocionante, es adrenalina, fuerza, belleza, garra, pero es juventud, tiene su momento, es una carrera un tanto condicionada, limitada, un tanto cruel.
La pintura, es serenidad, es paz, experiencia, es un intento por dejar plasmadas tus vivencias, tus locuras, tus sueños, es no morir, intentar trascender de alguna manera en este plano a través de tus obras, buenas o no tanto, quedarán por siempre ahí, eso es…fuerte.

5. ¿Te ha resultado difícil difundir tu arte en España?, ¿ves algunas diferencias con México en este aspecto?

En absoluto, España me ha recibido de una manera espectacular, pero tengo el GRAN  honor de conocer y haber sido aceptada por gente de muchos países, entre ellos, claro, México.
Este arte a pesar de ser “milenario” ha sido muy poco difundido y existen muy pocos artistas que manejan este tipo de técnica, estoy consciente que esto ha creado expectación y la gente ha sido más benévola a la hora de juzgarme, esto es una suerte brutal, lo sé y me fascina.

6. Su obra tiene una fuerte presencia en galerías de España, Portugal y Francia, ¿ha participado en alguna Feria? y si es así, ¿cómo fue la experiencia?

No he tenido la oportunidad todavía de asistir a una Feria, me encantaría. Este año 2010 si Dios quiere tendré oportunidad de asistir a eventos en Portugal, Francia y Alemania, en donde estaré encantada de compartir espacio con grandes maestros como mi madre y maestra Anabella Casalle,  Filipe Pereira, Noemia Travassos, Leticia Brito, Elvira Aguiar, Pilar Burgos y demás artistas maravillosos.

7. ¿Qué opina sobre las galerías virtuales?

Que son la mayor bendición para los artistas y amantes del Arte en general, que te puedo decir, son las que han dado a conocer mis obras por todo el mundo, las que han creído en mi a pesar de mi corta carrera como pintora, y por las cuáles la gente maravillosa me envía mensajes que los llevo como mi mayor tesoro, sin ser menos importantes las personas que han adquirido mis pinturas a través de ellas, les estoy eternamente agradecida.

8. ¿Cree que la utilización de las Nuevas Tecnologías ayudan a los artistas a difundir su obra?, ¿a usted le han ayudado?

La “era” digital ha ganado el terreno de una forma impactante en todos los ámbitos, no solamente en el Arte, me parece maravilloso que así sea, yo soy una enamorada de esta nueva “era”, y a ella le debo todo lo que soy ahora.

Beatriz Casalod

Miguel Tugores, nacido en Pollença en 1944, director de la Galería Bennassar de Madrid, director de la feria DeArte y miembro fundador de la  Fundación DeArte Contemporáneo. Ha sido un honor entrevistar a una de las personas que más está luchando por el arte contemporáneo en España. A lo largo de la entrevista el señor Tugores explica, la importancia que tiene la educación en el arte desde la infancia para que ya de mayores pueden desarrollar mejor el talento artístico, además resalta los principales objetivos de la fundación DEARTE que son; promocionar y difundir el arte contemporáneo y acercar el arte a coleccionistas noveles con precios más asequibles.

1. ¿Cómo y cuando surgió la Fundación DEARTE?

Hace cuatro años, y su objetivo fundamental es el apoyo y fomento del arte español contemporáneo. Los principales centros de actividad que, hoy por hoy, tenemos son la Feria DEARTE y Medinaceli DEARTE.

2. Los museos cada vez se van haciendo más didácticos, más cercanos a la infancia, ustedes desde la Fundación DEARTE también trabajan este sector, la formación de los niños en el arte. ¿Usted cree que tanto para un amante del arte como para un artista, es importante conocer el arte desde niño?

La inteligencia humana se forma desde  0 a 3 años y a los 6 tenemos la capacidad que tendremos de adultos. Esto esta científicamente demostrado. Por lo tanto, cuanto más pronto se eduquen los cinco sentidos del bebe/niños, más desarrollo del talento. El arte es una de las capacidades que podemos y debemos desarrollar y en la infancia es cuando se ponen las bases para un gran talento para cualquier actividad que decida el niño realizar en el futuro.  Con el Museo Infantil MUPAI, cada año, la Feria DEARTE montamos un gran stand donde los niños crean sus obras de arte y se divierten con las enseñanzas de los profesores del MUPAI.

3. La Fundación DEARTE, tiene como principal objetivo promocionar y difundir el arte contemporáneo español ayudado por galeristas españoles y por artistas radicados en España, ¿cree que el arte contemporáneo no es entendido por todo tipo de público?, ¿resulta complicado promocionarlo?

El arte y la cultura en general, va anidando en la sociedad. España va incorporándose a los países con larga tradición en el disfrute del arte pero es todavía minoritaria la poblacion que realmente disfruta con el arte contemporáneo. Por increíble que parezca, la mayoría no pasa de Velazquez. Nuestra labor consiste en seleccionar lo mejor del arte actual y promocionarlo entre los ciudadanos susceptibles de avanzar y comprender el pasado y el presente.
Si es complicado promocionar algo que la gente no siente la necesidad de conocer y disfrutar, Por suerte, cada dia más personas sienten la curiosidad de entender aquello que, en una primera aproximación, no les parece arte.

4. La Fundación DEARTE, es una institución ya reconocida en el mundo cultural, ya no sólo por organizar numerosos eventos artísticos, sino sobre todo por la organización de la FERIA ¿puede contarnos como ha sido la evolución de la fundación desde los primeros años de creación hasta la actualidad?

Hace cuatro años nos hicimos cargo de la organización de Feria DEARTE convencidos de que entre los dos grandes eventos internacionales que tenía y tiene España, Arco y Estampa, faltaba una feria que recogiera los frutos que ambas generaban. Cada vez había mas artistas y más galeristas que Arco no podía acoger. Fuimos y somos el complemento de la buena labor que han hecho esas dos veteranas ferias. Nos dirigimos a ese amplio sector español que gusta del arte contemporáneo y que comprende nuestro lema de Arte para vivir. Presentamos arte de calidad intelectual y económicamente asequible.

En Medinaceli hemos acondicionado la planta baja del Palacio Ducal y hemos creado un centro de arte contemporáneo que llamamos Medinaceli DEARTE. Hemos realizado durante el primer año más de treinta eventos y recibido a más de 14.000 visitantes  que, atraídos por la historia y la belleza de Medinaceli, han visitado nuestras exposiciones. Así hemos cumplido el objetivo fundacional de promocionar a los artistas y su arte contemporáneo.

5. La feria tendrá lugar del 18 al 21 de febrero del 2010 en Madrid, como la mayor parte de ferias su principal objetivo es promocionar, y vender arte, ¿pero a que público va dirigido?, ¿un usuario amante del arte podría comprar una obra en la feria a un precio asequible?

Efectivamente, como decíamos, DEARTE ofrece arte joven y de calidad a precios muy interesantes. También presentamos obras de autores consagrados. El Premio Un Futuro DEARTE se concede a un artista joven presentado por las galerías participantes. El Premio Una Vida DEARTE se otorga a un maestro reconocido y que ha dedicado su vida a la cración.

6. ¿Cree que la crisis está afectando al mundo del arte?

La cris afecta  a todos los sectores de la sociedad y el arte no es, precisamente, un articulo de primera necesidad. Pero quien ama el arte y la cultura sabe y comprende que no deben abandonarse a sus creadores y siguen haciendo algunas adquisiciones. Espero que la próxima feria se una prueba de la audacia de los galeristas y una manifestación del talento de los artistas que en plena crisis siguen creando y dando lo mejor de si mismo.

La crisis a convulsionado Arco y espero que en febrero Arco siga su trayectoria y DEARTE en su IX Edición siga consolidándose como la feria del sector medio de nuestra sociedad.

7. En la feria tienen como objetivo promocionar el arte contemporáneo, ¿qué opina del arte vinculado a las nuevas tecnologías como por ejemplo el videoarte?

El video arte y el netArt son manifestaciones artísticas de este momento. Cada época tiene sus formas de manifestarse y la capacidad humana de crear es infinita. ¿Cómo no van a usar los artistas las técnicas que el momento actual ofrece? Falta tradición y están por aparecer los grandes creadores en esas técnicas per, sin duda, empiezan a haber y habrán más.

8. ¿Qué objetivos se ha propuesto para la próxima feria?

Con la actual crisis nuestro objetivo es profundizar en nuestros objetivos y seguir propiciando el encuentro entre los coleccionistas y los artistas. Este año estamos abiertos a las instituciones, a las galerías y a los artistas. Esta es una singularidad de Feria DEARTE y es consecuencia lógica de la evolución de la sociedad. No sólo las galerías promueven el arte contemporáneo. Están muchas y variadas instituciones y multitud de expertos en arte que comisarían interesantes exposiciones. Además, somos un país de artistas y no todos trabajan con las galerías.

DEARTE es el punto de encuentro más democrático que hay hoy en España.  Así lo entienden desde el Gobierno de España y desde las principales instituciones de nuestro país.

Beatriz Casalod