Jaime San Juan Ocabo, artista clásico pero a la vez innovador, quiso dar una oportunidad al arte digital, y este cambió su vida. Sustituyó el lienzo por una tablet, la paleta de colores por una aplicación, y el pincel por su dedo. En los últimos años ha conseguido ser un referente en el mundo del arte digital, por su capacidad de poder acercar el hiperrealismo y el surrealismo a través de las nuevas tecnologías.
- Sé que estudiaste la carrera de Bellas Artes, eres un apasionado del óleo; pero ¿en qué momento cambiaste el lienzo por una Tablet?
Estudié bachillerato artístico en la Escuela de Artes de Zaragoza, y seguidamente Bellas artes en Cuenca. Yo era muy clásico, me gustaba el óleo, el pastel, técnicas muy lentas nunca he sido de técnicas más rápidas como el acrílico o como la acuarela, son técnicas que no te dejan tanto modificar, ante todo me gustaba más el óleo, ya que me permitía tocar y dar más detalles.
Me defino como un apasionado ante todo del realismo y del hiperrealismo al óleo.
Por lo que en mis inicios todas mis obras eran realistas, hasta este momento no llegué a exponer ningunas de mis creaciones. Al acabar la carrera, intenté hacer alguna prueba con el arte digital pero lo acabé dejando porque me parecía un arte muy frío.
Había probado el crear arte digital mediante una tableta gráfica, hasta este momento encaminado más a la línea del diseño gráfico. Probé con herramientas como Photoshop que me parece muy potente, pero me ponía muchos impedimentos a la hora de crear la obra; no me aportaba las facilidades que me podía aportar el óleo. Probé el arte digital, porque sabía que estaba allí, pero realmente no me gustaba, no llegaba a encajar conmigo.
Justo cuando acabé la carrera en el 2008, fue el momento en que entró la crisis, y me fue imposible encontrar trabajo, y me volví a Zaragoza. Fueron momentos difíciles, ya que lo primero que se recortaba en ese momento era en arte y en diseño, la gente no veía el diseño como una inversión sino como un lujo.
Estuve haciendo trabajillos mal remunerados como diseñador gráfico para poder ir subsistiendo, y conseguí una beca de colaboración en la Universidad de Zaragoza, donde me pagaban unos 500 eurillos, pero bueno me permitió poder ir algo más desahogado.
Por las mañanas estaba de becario, haciendo de todo, no eran trabajos artísticos, salía a trabajar a las 7 de la mañana y volvía a las 9 de la noche, cansadísimo y agotado, con un sueldo bastante precario, pero ya pude emanciparme, pero claro con esos horarios no podía pintar nada, estaba como triste, desanimado, porque necesitaba crear, estuve 5 años sin pintar un cuadro; no quería porque necesitaba estar bien en calma; así no podía crear.
Estaba triste, y mi pareja Virginia, para animarme, me regaló una Tablet con una aplicación de arte digital. Y me dijo pruébala, dale una oportunidad, a ver si te gusta. Y a partir de aquí hubo un antes y un después en mi carrera como artista.
- ¿Qué herramientas utilizas para crear tu obra?
Como he comentado anteriormente, mi pareja Virginia me regaló una Tablet y una aplicación de arte digital que se llama “Procreate” y fue amor a primera vista. Yo antes había probado otras aplicaciones y para nada me ofrecían lo que me ofrece esta aplicación.
En algún momento hecho de beta tester para otras empresas, que me han contratado para dar mi opinión y para poder comentar los pros y contras de una determinada herramienta; y la verdad que siempre he vuelto a la misma, ya que es la que siempre mejor me ha funcionado.
Me encantó la aplicación; igual el primer día estuve 8 horas seguidas pintando; y me di cuenta por primera vez que la tecnología era muy intuitiva, sin tener ningún tipo de conocimiento informático pude crear mis primeras obras de arte digital.
“Procreate” es una herramienta que me permite fusionar colores, combinarlos respetando como si fuera la técnica al paste, como si trabajara con un pincel.
- ¿Qué ventajas e inconvenientes ves la hora de creación y venta de tu obra?
Al volcarme en la creación de arte digital, solo le vi ventajas, porque para empezar no necesitas un estudio, en una casa pequeña no te puedes poner a pintar con pinturas, el aguarrás huele muy fuerte, todo el material, necesitas una gran logística para poder pintar. Necesitas mucho dinero para pintar de forma tradicional. Mientras que de esta forma necesitas una Tablet y una aplicación, sin importar la ubicuidad.
Me di cuenta que tenía todas las ventajas y prácticamente sin inconvenientes, aunque alguno tiene.
El inconveniente era al principio, aunque cada vez ya es menos, por las limitaciones del dispositivo, por su potencia, no me permitía hacer cuadros muy grandes. Los tamaños de los cuadros no son siempre los mismos pero hay un tope, que viene definido por la memoria RAM del dispositivo.
Luego surge la incertidumbre de; cuando acabas una pintura de arte digital, ¿qué haces con ese archivo?, porque claro si te quieres mover en el mundo de los museos, galerías, tienes que sacarlo de la pantalla, llega el momento de que hay que imprimirlo.
Pintar digital es gratis, pero hasta el momento en que lo imprimes; ya que cualquier soporte no vale, ya que puede dar un resultado diferente de lo que quieres para tú obra.
- ¿Qué papel juegan las nuevas tecnologías para la difusión y venta de tu obra?
Yo al principio pintaba para mí, volvía a sentirme vivo, dejé de dormir para poder pintar ya que seguía con mi trabajo de becario, pero volví a ser feliz, Al principio no enseñaba mis cuadros sólo a mi familia, pero claro tu familia siempre te dice que es estupendo, pero no me atrevía a moverlo de cara a fuera. Hasta que empecé a moverlo en mis redes sociales.
Sobre todo en Facebook y en Instagram. AL principio tuve problemas, la gente no se creía que eran cuadros, se creían que eran fotografías retocadas, de lo realista que era, ya que al principio no realizaba obras surrealistas, sino que hacía bodegones, retratos; de un gran realismo.
Ya después pasé a cambiar mi estilo hacia el surrealismo, ya que me parece más divertido, quería ir más allá de la realidad.
En la actualidad, no conozco a otra persona que haga lo mismo que yo, arte digital a dedo, que parte de un arte clásico tradicional que ha pasado al arte digital, respetando los cánones de técnicas de pintura, composición; con claras influencias del arte clásico. Reflejando en las obras historia, filosofía…
A día de hoy no hay nadie que haga lo mismo que yo, pero ojalá que pronto si lo haya, porque me interesa para que no existan tantas barreras para entender este tipo de arte.
Para saltar esta barrera, me creé un canal de Youtube, donde podía explicar todo el proceso de mi obra. Hacía timelapse, para que se viera cómo pintaba un cuadro y de esta forma ya las personas veían claramente que lo que yo estaba creando era un cuadro y no una fotografía. Ahí se dieron cuenta que era verdaderamente la creación como si fuera un cuadro tradicional.
- ¿Cuándo alguien te dice que un cuadro tuyo es una fotografía retocada, cómo sueles reaccionar? ¿Cómo tratas de demostrar cómo realizas tu obra?
La verdad que cada vez me pasa menos. Ya que poco a poco mi obra se va conociendo cada vez más. Obviamente según cómo me lo digan a veces me molesta, pero yo siempre trato de explicar cuál es el proceso, y si llevo mi Tablet les enseño mi canal de Youtube para que vean cuál es el proceso.
- ¿Quién fue la persona o entidad que te dio tu primera oportunidad?
Para empezar a darme a conocer; me presenté a un concurso; no puedes esperar a que alguien te llame, tienes que moverte tú.
Lo primero de todo es moverte en las redes sociales; es una forma de testear tu obra, y de ver si gusta o no; y después presentarte a concursos. En mi caso me presenté a concursos específicos de pintura digital. En concreto el primero fue un concurso de pintura digital para ipad en EEUU, y lo gané, y después me presenté otro en California que era para dispositivos móviles, ya que en España concursos de este tipo no se realizan.
Digamos que EEUU, están muchísimo más avanzados en este tema. El de California también lo gané, me ayudó para irme dando a conocer. Al ganar este premio, me di cuenta de que tenía que contarlo, por lo que mandé la noticia a Heraldo y les gustó la noticia.
Al poco tiempo, Heraldo sacó el concurso de “Aragón en la Red”, donde en la primera edición yo gané el premio a la mejor campaña gráfica. Me di cuenta que poco a poco iba encontrando mi hueco en el mercado.
A los meses El Museo Pablo Serrano, sacó una convocatoria como de Premios a la juventud donde exponían a 12 artistas jóvenes uno al mes durante 1 año. Y me presenté.
Tuve la suerte de que me llamaran, y fue allí donde pude realizar mi primera exposición, donde expuse 37 obras en el 2015
Hasta ese momento nunca había impreso mi obra, ya que todo a lo que me había presentado lo mandaba en formato digital.
Aquí como he comentado antes, es donde surgió el gran inconveniente de realizar arte digital.
Vino el problema ¿Cómo lo imprimo? Yo no quería hacerlo en cualquier papel, no quería que desmereciera la obra; porque un cuadro que me lleva de 150 a 200 horas de realización no podían verse perdidas en un folio.
Por lo tanto, hice espionaje industrial, espié artistas que hacían cosas parecidas a mi y encontré a un artista que imprimía en un papel que se llama “Hahnemühle Photograph 308 g” y que utilizaban tintas pigmentadas, el otro problema que me encontré es que todo este material tenía que adquirirlo fuera de España.
Intenté adquirirlo en Zaragoza ya que aquí hay imprentas muy importantes, y claro yo no soy un cliente rentable porque este papel me lo tenían que traer para mí, y un rollo cuesta en torno a unos 200 €.
Encontré una imprenta en Barcelona que trabajaba con este papel, con estas tintas y las máquinas que me interesaban para que tuviera un resultado óptimo para mi obra. Pero me cobraban 100 € cada impresión cada cuadro, a tamaño A2, claro eran 37 cuadros más las enmarcaciones. Era una inversión muy fuerte para unos comienzos.
Me di cuenta que me salía más barato tener yo mi propia máquina, con mi papel y mis tintas que llevarlo a otro sitio.
Tenía que creer en mí mismo, fue una fuerte inversión pero quería apostar por mi carrera.
En cuanto a las enmarcaciones también lo externalicé; con marcos lineales todos iguales, blancos muy sencillos ya que pienso que el marco no tiene que competir con la obra.
Arriesgué, imprimí y enmarqué los 37 y justo antes de empezar la exposición empecé a tener llamadas extrañas de EEUU concretamente desde Hollywood, fueron unas tres aunque era el mismo cliente me llegó desde tres puntos diferentes, para ofrecerme trabajo para aparecer en un anuncio, ya que habían oído hablar de mí, pero pensaban que yo era de España ubicada en América Latina no España (Europa), por lo que en esa tercera empresa que me llamaron, ya estaban más informados de quién era yo y dónde estaba ubicado, esta empresa concretamente era de marketing.
Me comentaron que uno de sus clientes más fuertes querían hacer una campaña publicitaria conmigo, y dije que sí.
Me hicieron firmar hasta 4 contratos de confidencialidad. Trabajé para Apple California, ya que ellos vieron que mi obra la hacía con el ipad, pensaron que era una buena herramienta para mostrar su producto. Fue un cambio radical en la forma de ver mi obra y de dar valor económico a lo que hacía, ya que muchas veces es difícil poner precio a lo que haces. Con este trabajo pude financiarme toda la exposición del Museo Pablo Serrano.
En la exposición del Museo Pablo Serrano, lo vendí prácticamente todo. En este momento hice tiradas de 25 cuadros de cada modelo, a 250 € cada cuadro. El problema que quien te compraba esos cuadros no eran coleccionistas, no eran galeristas, no es que fuera un problema grande, era otro tipo de público que estaba bien, pero también quería dirigirme hacia el mundo del coleccionismo.
- ¿En qué lugar has expuesto en el que consideras que dio un giro tú carrera como artista?
En el momento en que conseguí que se acercara a mí un Galerista, Miguel Kafell de la Galería Kafell de aquí de Zaragoza, donde apostó por mi obra para hacer una exposición individual. El me abrió los ojos y me ayudó a comercializar mejor mi obra y pasé de tiradas de 25 a 5 y de cobrar 250 € por cada cuadro a 800 €. Gracias a este cambio a la hora de vender mi obra, mi público cambió.
Tuve otra exposición aquí en Zaragoza, en el espacio cultural de Los Sitios, donde allí empecé a hacer obra única, yo pinto el cuadro, imprimo una vez hago certificado, firmo manuscrito lo enmarco de tal forma que la obra es ese cuadro y el archivo digital lo destruyo.
Es una apuesta arriesgada, pero he tenido que hacerlo porque la sociedad todavía no está preparada a valorar económicamente una obra múltiple. En este momento por una obra única llegué a cobrar 1.700 €, y me di cuenta que los coleccionistas sí que estaban dispuestos a pagar ese dinero por una obra única.
Después ya empecé a exponer por Cataluña, Sevilla…, Madrid, a nivel nacional. En Madrid este verano hice una exposición en una galería que fue espectacularmente bien, donde allí las obras ya costaban de 3.000 a 3.500 € como obra única.
En los últimos 6 meses ya me di cuenta que ya no podía subir más que ya prácticamente había llegado donde quería estar, pero yo notaba que determinados coleccionistas fuertes y determinadas instituciones, museos, mis obras se quedaban pequeñas, y un galerista de Madrid de la galería “La Ley de Snell” donde se puede adquirir mi obra, analizó más el mercado y vio que teníamos que cambiar los formatos y pasé a realizar obras de 2 m valoradas en 10.000 €, para dirigirme a otro público, sin abandonar mis otras obras más pequeñas.
- ¿Cuál va a ser tu próxima exposición?
Con este nuevo proyecto estoy muy ilusionado, ya que junto con mi galería “La Ley de Snell” vamos a llevar 3 de mis obras a la Feria de ARCO.
- ¿En qué lugar te encantaría exponer? Que digas mi sueño es… o el TOP de mi carrera sería exponer en…
A día de hoy estoy muy contento donde he llegado, pero puedo decirte que mi sueño sería poder exponer en el MoMa de Nueva York, siendo este mi objetivo.
Gracias a Jaime San Juan Ocabo, por concederme esta entrevista. Fue un placer conocerte, y poder charlar tranquilamente contigo sobre cómo has crecido cómo artista. Esta entrevista seguro que va a servir de inspiración para muchos jóvenes artistas digitales que tienen la incertidumbre de cómo enfocar su futuro profesional.
Beatriz Casalod (NTARTE)
Destacar los colores brillantes de las pinturas de Hundertwasser.
